FOTO POVERA

« Foto Povera » devient « Foto Povera, des pratiques alternatives »

2008-11-12T11:42:00.004Z

Photo Yannick Vigouroux, « Djerba, Tunisie, 2000 »,de la série « Littoralités »

Voici la nouvelle adresse de Foto Povera, renommé « Foto Povera, des pratiques alternatives » :

http://fotopoveradespratiquesalternatives.blogspot.com/

http://vimeo.com/16847186

« Meurtre conjugal dans un appartement parisien (2000), par... la « victime » photographiée

2008-11-10T13:10:00.006Z

Photos Anne-Marie Grapton (tél. mobile)

« Body writing ou le corps écrit (fiction de mort)

L’exercice exorciste…

Je fais la morte. Je m’essaie à une autre conscience de soi. Je ne fais rien. Je profite de cette vacance du corps. C’est étrange il y a comme un bien. J’ai fait un masque comme un embaumement. Je sens ma peau comme un parfum de fleur et de terre. Je suis ma peau. Le repos. Ne pas plonger en soi mais flotter et poser dans l’air. Comment sortir. Rester là. Un demi-sommeil. Je ne suis plus en proie à. Je suis la proie qui fait le mort. Le vampire est abusé. Le sang n’affleure plus. Il dort.

For Yannick »

(Anne-Marie Grapton)

« Meurtre conjugal dans un appartement parisien, 2000 » (roman-photo), par Céline Catucci

2008-11-06T10:03:00.012Z

Photo Y.Vigouroux, « Exposition Foto Povera 4, Paris, 4 oct. 2008 »

« Meurtre conjugal... » (sur la photo, il s'agit de la frise en noir et blanc, en bas) : j'ai d'abord présenté ce roman-photo criminel, réalisé au Lomo LC-A, dans l'exposition « Lomographie, vues de Paris - 2000 » à la fondation Gilbert Brownstone, à Paris (remerciements à Samantha Barroero, commissaire d'exposition) ; je l'ai à nouveau exposée à Pertuis dans « Le Goût du noir, Festival du roman noir » (2002), et à l'occasion de « Foto Povera 4 off », en octobre dernier.

Voici ce que cette séquence a inspiré à Céline Catucci :

« "Ce soir, je tue ma compagne" dit le serial-killer frustré de ne pas trouver une victime idéale. De nos jours, rien à se mettre sous la dent. Arpenter Paris avec le Lomo à la main de manière monomaniaque excite les papilles. La traquer, l'épier telle une fouine, lui voler ses moments intimes du quotidien, découvrir ses gestes, les connaître, les apprendre, les archiver, est un délice. Prendre en flag, ce petit rien qui exprime tout d'elle. "Mais ce soir je tue ma compagne". Je formule, j'organise, je deviens voyeur et fétichiste. J'arbore un masque et j'attends. Je l'attends dans notre quotidien car je veux la libérer. Ce sont des images instantanées, qui seront comme des souvenirs de vacances. Mais la bête se débat, je n'arrive pas à la tuer, le poignard n'est pas suffisant. Elle se prête au jeu de manière étonnante. La corde du cluedo est excellente, elle l'achève. C'est du Bertillonnage. " Il poignarde sa compagne et s'endort tranquillement" chantent les Béruriers Noirs. Mais tout ceci n'est qu'un film, digne d'un snuff-movie. Bientôt tu pourras marcher sur ta victime….[NB : dans la première exposition les dalles en plastiques étaient posées sur le sol] »

(Céline Catucci)

Remerciements à Céline Catucci, et bien sûr à Anne-marie, l' « actrice » de cette sombre séquence...

Foto Povera est définitivement un jeu (Yannick Vigouroux lors de sa conférence de presse au off par Xavier Martel)

2008-10-08T08:48:00.011+01:00

Mon premier Sténopolaroïd

2008-10-06T12:42:00.003+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Window # 1026, 5 octobre 2008 »
(Sténopolaroïd)

A l'occasion de Foto Povera 4 off, j'ai réalisé mon premier Sténopolaroïd dans l'atelier de jean-Luc Paillé

« Archi-balnéaire », par Philippe Calandre (l'exposition sur les ports méditerranéens à Sanary-sur-Mer)

2008-09-23T10:40:00.004+01:00

FOTO POVERA 4 off chez Jean-Luc Paillé (3 au 5 octobre 2008)

2008-09-09T09:45:00.006+01:00

« FOTO MARE MEDI TERRA » (à propos de l'exposition sur les ports méditerranéens à Sanary-sur-Mer, par Véronique Guerrin)

2008-08-27T10:27:00.007+01:00

Photo Remi Guerrin,
« Marseille, 2008 »
(Sténopé, tirage au charbon / C-Print)

« La Mer au milieu des terres »

À l’origine de notre civilisation occidentale, comme un berceau, un lieu de nativité étonnante, ce bassin Méditerranéen, cette mer aux brassages multiples, métissée par les peuples, les cultures différentes et les vagabondages de la mémoire.

Dans l’Antiquité, les Égyptiens la nommaient « grand vert », d’autres peuples l’appelaient « la mer blanche » … Son ciel est si bleu pourtant qu’il se confond avec son eau profonde et calme. La mer bleue, l’appelle-t-on ainsi aujourd’hui ?

Quelques passants, des bateaux de pêche amarrés ; plus loin, les immeubles blancs, hauts, larges, percés de fenêtres ressemblent à des navires gigantesques, entourent les rivages, cernent le contour des plages.

Les pieds des néréides laissent sur le sable des traces agiles, les fritures argentées brillent dans les paniers qui reposent sous les croisées d’ogives aux variations brodées.

Méridionales migrations, sur cette terre aux villes lasses parfois, vieillissantes également où se cachent la nuit, dans les ports, aux creux chauds des alignements de conteneurs entassés sur les quais, des clandestins, des fugitifs.

Certaines constructions antiques, aux pierres d’opacités usées habillées de grâce et de lueur ébauchent une singulière présence à l’haleine verdoyante, alguée de posidonie. Quelques colonnades poétiques s’élèvent encore… On se croirait en terre de Luz aux grappes scintillantes : la cité bleue où ce qui est caché sous l’amandier est dépouillé par la lumière.

Photo Yannick Vigouroux,
« Tunisie, 2000 » ,
de la série « Littoralités »
(Box 6x9)

Nuit pleine, humide, d’embruns en lieux clos ou d’histoires suspendues là où les friches et les industries développent leurs marelles égarées, cathédrales marines, citadelles géométriques…

Un film raconte, déroule sa bobine, s’arrête comme un bateau à l’embossage. Des négatifs coupés, griffés ou calligraphiés ; les cales sèches, vides et immenses. Dehors, dedans. Hangars aux silhouettes fugitives. Un écho spontané répond à la mouette, la fille se tourne sans fin et tourne encore, danse sur la lagune… Le regard semble se morceler… Mais en fait ce n’est qu’une confrontation.

Quelques formes pâles virevoltent sur les vagues, fantômes au cœur de la bruine, des bruits sourds, corne de brume, marteaux tapés à intervalle réguliers. Le brouillard tombe. Il faudra se diriger au compas, en pleine mer, au cœur de ce silence enveloppant et total. Puis, lorsque tu arriveras vers la plage, tu percevras les jeux des enfants dans l’eau salée. Nuages longs sur le ciel, effluves transportés par le grain violent levé tout à coup ; la baie chavire au pied du volcan, il porte en lui la morsure du temps…

Par la fenêtre du train, je m’obstinais à regarder, je ne voyais que des lambeaux de mémoires : pierres de lave, sculptures antiques, brisées, bateaux échoués ; et des souvenirs : négatifs sur plaque de verre vendus sur les marchés, cartes postales trop colorées, et ces albums qui racontent le mystère de la mer glissant sans fin sur les digues, déplaçant notre vision.

Un jeu de rôle, un jeu drôle, un jeu de môle enchevêtré d'effigies et de plaques de films ; de caprices visuels ou d'iconographies réduites, de photographies austères ou d’images au caractère malicieux. Se présenter, se représenter : la fiction, le leurre de l’absurdité, les miroirs hydrocéphales. Trouver son identité dans le déplacement… La vitesse, capter les flots iridescents qui s'attisent dans le champ visuel, et toujours le voyage, le départ, le retour…

J’imagine ici la violence fulgurante de Méduse dans sa colère, elle qui se moquait de tous et de toutes ; la force de la mort, l’ombre des peurs… La lutte contre l’enchaînement de nos illusions, la perplexité face au regard qui pétrifie, les narcissiques scléroses. Créer, c’est aussi vouloir dominer le temps qui passe, lutter contre la disparition, graver ce qui doit demeurer. Travail de recherche et d’errance aussi, matière en mutation, interrogation, mémoire, circulaire évolution. Où se situe l’irréalité ? Comment trouver l’épilogue ? Y a-il une aventure ?

Un portrait flotte sur la mer, tangue comme une plume de mouette ; une voile grise se déploie sur le sable où tournoient des corps aux bras levés ; les rochers sont immuables, l’écume légère éclabousse les passants. Invitation à un temps de prolongement, de noctambules divagations sur le rivage ensommeillé.

Un monde obscur issu de la nuit se répercute, écho d’un univers galactique souterrain aux ombres éclatées, presque étrangères aux maisons figées, imprégnées de Lacenaire atmosphère. Un enfant joue aux osselets dans une gare abandonnée. Un jeune mousse s’embarque pour un long périple. Des goélands blancs et gris s’envolent… Une jeune femme affolée court dans la forêt. Des spectres se promènent dans la ville. Pourquoi tant de fantômes s’avancent-ils ainsi sur les flots et ne parlent pas, pourquoi sont-ils sans identité et sans mémoire ?

La mort ne se situe jamais là où on l’attend. Elle joue à cache-cache dans les couloirs du métro, entre les poubelles des rues ou les silos des lieux industriels.

Tous ces fils électriques sans oiseau : un automne sans pluie et sans vent… On entend au loin, les talons d’une femme en manteau blanc qui s’éloigne. Dans la petite maison aux volets encore ouverts, un vieil homme fume sa pipe. Le ciel ressemble à un tapis d’où s’envoleront demain les feuillets arrachés d’un album de famille.

Une perspective envoûtante déplace la vision, fait planer la trace de la personne qui venait de passer là. La voiture est mal garée. Une lueur noire et crispante vient à l’oblique de mon regard…

Tout devient noir, ténébreux comme la lave qui coule, suinte, va lentement, inexorablement vers le rivage. Mais…Voilà le soleil qui entre par la lucarne, l’image s’inverse ; La perspective aérienne se pose au centre du rectangle, va au-delà des apparences.

Loin des faux-semblants, des rêves perdus : certains fragments de vie, si denses, s’accrochent et pulsent sur les murs. Mouvements ininterrompus des souffles lourds qui passent sur le port : mélopée archaïque frétillante dans les yeux des poissons, des exhalaisons fortes et persistantes. La monotonie est bouleversée par les nuances qui changent. Linge battu pendu dans les rues, échelle oubliée rongée par le sel marin, une femme qui regarde, penchée à sa fenêtre, les clochers qui dominent la cité. La tension du port oscille alors que les voitures s’arrêtent au feu rouge…

Fahrenheit 451 in Holidays. Une ville absurde maintenant, ouverte comme un ventre de femme qui ne crie plus, où les tourments de la guerre ont dévasté les cités devenues si grises, si opaques… Le ciel déploie sur elles un voile spectral, linceul livide strié de dentelles déchirées. Serait-il possible que ce lieu n’existe plus jamais ? Cette archéologie contemporaine déclinée en tableaux oniriques ne parle pas de ce qui fut tragique, dégradant ou bestial. Ces triptyques, pages qui se tournent dans un livre inachevé, viennent d’une contrée qui me semble si lointaine, si profondément intérieure... L’Eden a changé de place. L’antique chemin des oliviers et des jasmins parfumés esquisse l’amer et le tremblant. La vie s’ouvre sur un autre songe. Les corps allongés à la lisière de la mort exhalent leur dernier souffle. Maintenant, le ciel va s’écarter, abandonner ses blafardes et sauvages patiences pour écrire sur la pointe des yeux la délivrance des inconnus.

Ce n’est pas jouer, ni mentir que de reproduire les paysages métallurgiques en y configurant les silhouettes du futur, en donnant une vie personnelle à ces personnages qui sortent des films d’anticipation… Comment imaginer demain ? Sera-t’il un autre Solaris ? Nous sommes soumis au temps qui passe, à sa fluctuation, à sa dérive… À la mémoire rongée par le sel de l’oubli, au Sacrifice.

Arpenter le port en déambulant. Carnet de notes, de musique…Variation d’une mélodie visuelle… Laisser sourdre de l’agrandissement photographique cette amplification qui devient surface médiatrice, repère.

« Demain au pays de Gulliver » serait le titre du livre de Lilliput… Perdu au bord d’une mer si tranquille, si vaste, dans une image où l’essentiel ne peut être appréhendé, et qui dépend de notre conscience.

Chaque geste engendre un aspect saisi sur le vif comme une insolence ; dominer l’instant ; modeler la matière puis laisser filer le grain de peau, d’argent, de sable entre ses doigts, ses mains ; la mer résonne de chansons et d’odyssées, mobile - immobile en un mouvement qui s’étend, se détend, s’étire.

Des ombres naufragées, un mur courbe, un infini déployé, une immensité confondue, presque dissoute dans l’horizontalité des flots.

Jeux de miroirs et de silhouettes, ciels bleus, chiens errants, drapeaux flottants, l’équilibre du littoral reste sauvage malgré les édifications contemporaines.

Des escaliers de pierres, des graffitis expressifs, un mât dressé, net et tranchant sur le ciel. Des grues colorées bruyantes aux poulies grinçantes qui déchargent les caisses sur le débarcadère encombré.

Du rouge en filigrane, marée rouge, cerises peintes sur le mur, goutte de sang, façade écarlate, tomates ou fleur qui se fane, un dessin dans la flaque d’eau, empreinte de pied qui saute, enfants aux gestes vastes comme un rêve qui ne s’achèvera jamais.

Dolce Vita, la danse dans la nuit. Ici, les discothèques sont vides, les parkings aléatoires, l’immensité dépeuplée interpelle la mer ; il n’y a personne, juste quelques palmiers… J’attends… Il ne fait pas froid dans ma voiture… Qui viendra ici, sous les éclats des néons qui remplacent la lune disparue ?

Je ne sais plus pourquoi je suis venu… J’aurais aimé entrer dans ce bar, écouter de la musique, mais j’attends toujours… Il n’y a personne encore… C’est trop tôt dans le petit matin. Le pirate noir a disparu en pleine mer et son navire a sombré.

Une Petite-Île, il pourrait y avoir là-bas sur la côte un phare qui s’allume la nuit, un port à la criée des poissons frais, des exclamations dans les rues engorgées de circulation, quelques courées paisibles aux alentours d’une église désertée et la longue digue où se faufilent, ombres éternellement anonymes, quelques sans- abris qui fuient la police, les dénonciations, les altercations.

Plusieurs de ces villes cosmopolitaines furent des escales pour l’Argo. La conquête de la toison d’or hante encore ces lieux historiques. Jeux de visages, de corps. L’activité, le déplacement, le quotidien et quelque chose de divergent, presque impalpable, imperceptible mais si tangible, si présent.

C’est toujours le temps qui se souvient, aujourd’hui comme hier ; marcher doucement, respirer l’air du large espace, oublier, ne pas penser, mais être simplement présent. Devant moi, trois gros cailloux blancs et gris ; j’aimerais y incruster des signes, graffiter ces blocs qui ne bougent pas ; dessiner des petits poissons argentés, et sur toute cette jetée de bois, peindre des mots ou des lettres, rouges, jaunes et bleus, d’or dans le soleil levant.

Être dans la blancheur du jour comme dans un instantané de vie, un Polaroïd de clarté.

Je descendrai doucement l’escalier, en me tenant à la rampe ; il n’y a pas de vent pourtant, un silence marin dans un cimetière oriental.

Des lattes de bois ourlées de sables et d’écumes, les amoureux sont assis, joue contre joue, pour l’éternité d’un « The End », comme sur ces bouts de film où était écrit le mot « fin » en différentes langues. Leurs oreilles devenues des coquillages chantent lentement le rythme des flots pélagiques, la sirène allongée sur le récif peigne interminablement ses cheveux face à la lagune; il n’y a plus personne sur la jetée. La mer se plisse face à eux, les rochers blancs semblent immuables, le lampadaire n’éclaire plus rien, ou peut-être le pays des autres rives, vers l’Asie mineure, là où je ne suis jamais allée.

Les amants demeurent assis sur le banc face à la mer et toute l’histoire semble sans fin…

The end.

(Véronique Guerrin)

Ce texte a été écrit pour accompagner l'exposition sur le thème des ports méditerranéens (le catalogue est en préparation) organisée par Philippe Calandre. Ses photographies y seront exposées ainsi que les miennes celles de Remi Guerrin, de Benoît Géhanne, de Christophe Mauberret, et de Pierryl Peytavi.

Un grand merci à Véronique, pour avoir si brillamment répondu à ma proposition !

Le salon d'automne de la ville de Sanary-sur-Mer aura lieu du 19 septembre au 16 novembre 2008, à l’Espace Saint-Nazaire.

D'autres « Correspondances » (Phoebe Dingwall et Remi Guerrin)

2008-08-26T10:12:00.011+01:00

A l'époque de la préparation de l'exposition « Correspondances, Bernard Plossu / Yannick » à l'opal Gallery d'Atlanta, et pendant celle-ci, de mai à Juin 2008, Phoebe Dingwall et Remi Guerrin ont aussi travaillé ensemble autour de la même notion.

Découvrez, grâce au très beau texte de Véronique Guerrin, ce que cette dernière nomme « un jardin d’enfance et de rencontres » sur :http://yvigouroux.blogspot.com/2008/08/correspondances-un-jardin-denfance-et.html

L'exposition « Correspondances (Phoebe Dingwall et Remi Guerrin) » est présentée
à l'Espace 36
36, rue Gambetta
62 500 Saint-Omer

Ouvert du mardi au samedi de 15 h 00 à 18 h 00

Tél : 03 21 88 93 70

Un nouvel autoportrait de Marc CC (sténopé)

2008-08-18T11:25:00.002+01:00

Photo Marc CC,
« Autoportrait à la fenêtre, 2008 »
(sténopé)

Marc CC m'a envoyé un nouvel e-mail :

« Bonjour Yannick,

je voulais vous envoyer une photo qui me plait tout particulièrement...
Cela fait un moment que je travaille au sténopé avec, comme support photosensible, du simple papier photo... j'aime me dire que le traitement de l'image se fait de A à Z.
Bref, en plus il y a l'élément " fenêtre " qui vous plait tant..
Amicalement,
Marc. » (14 août 2008)

En effet, cet autoportrait à la fenêtre me plait beaucoup : j'aime ce corps et ce visage qui restent dans l'ombre, présence sombre, massive – le bras droit appuyé sur la rambarde, flou et vibrant comme sous une décharge électrique (l'intensité de concentration ou de lâcher-prise que réclame un tel autoportrait ?) – , et en même temps étrangement immatérielle. Une forme d'anti-portrait... L'image ne nous renseigne en rien, comme dans un précédent autoportrait (http://fotopovera.blogspot.com/2008/04/autoportrait-6-x-9-box-camera-de-marc.html)
, sur lequel j'avais écrit, sur les traits de la personne. Et pourtant l'image est tellement habitée par cette présence... S'abstraire du monde, dans un état de flottement mental et matériel, fantôme de soi-même, spectre argentique, pour se sentir exister plus ? Mieux éprouver cet être-là ? C'est ce que je tente sans doute de faire aussi, dans mes propres autoportraits numériques flous, depuis plusieurs mois.

De la mise en cage à la mise en boîte : les nouvelles photographies de Benoît Gehanne ( 2008)

2008-08-14T14:08:00.004+01:00

Photo Benoît Gehanne,
« Canari, 2008 »

Selon moi, ces images sont l' illustration littérale de l'enfermement du sujet par la prise de vue et surtout ironique de la formule consacrée utilisée par les photographes face aux modèles prenant la pose : « Ne bougez pas, le petit oiseau va sortir !... ». Ce qui est ici impossible.

Dans les images de Benoît, la trame du papier et le maillage formé par les barreaux de la cage ne font plus qu'un. L'écran dissimule autant qu'il révèle, perturbe la perception du sujet autant qu'il l'encourage, la stimule.

Pourquoi choisir un tel sujet ? Parce que c'est une forme d' « exotisme prolétaire »* déclare-t-il. Pourquoi pas ? Je m'y reconnais, m'y identifie en tout cas, comme Benoît, et pour ma part très sentimentalement : ces canaris incarnent pour moi, je l'ai déjà écrit, comme tant d'autres animaux domestiques , « la fragilité de l'idéal ».

Benoît aime que « ses images soient maltraitées par les procédés photomécaniques », et revendique le fait que son « rapport à la trame soit transgressif », une trame qui ressemble alors alors « un tissu que l'on aime autant que l'on malmène. »

Photo Benoît Gehanne,
« Canariloupe, 2008 »

* Propos recueillis à Paris, le 8 août 2008.

« Alice raide » de Clotilde Noblet, la suite ( la Nuit de la photographie contemporaine à Paris, 23 juin 2008)

2008-07-24T12:55:00.004+01:00

Photo Clotilde Noblet

L'un des dispositifs de présentation des Polaroïds Sx-70 de la série « Alice raide » (Cf.
(http://fotopovera.blogspot.com/2008/06/la-srie-de-polarods-sx-70-alice-raide.html)
imaginé par Clotilde Noblet, pour la Nuit de la photographie contemporaine à Paris, qui s'est tenue le lundi 23 juin 2008, place Saint-Sulpice à Paris. L'artiste fera partie des participants à Foto Povera 4 en octobre prochain, chez Jean-Luc Paillé, avec sa série « Psychotif ».
Au premier plan, son boîtier Polaroïd de prédilection...

http://www.clotildenoblet.com

Foto Povera, ports et errances...

2008-07-23T13:28:00.006+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Barcelona, 2005 »,
de la série « Littoralités » (box 6x9)

Les zones portuaires, si chères aux auteurs de polars qui y aiment y planter leur décor, sont, surtout lorsqu'elle sont industrielles, des espaces privilégiés d'une errance physique et mentales pour nombre d'artistes, d'écrivains, de photographes et de cinéastes.

Sous le soleil de bassin méditerranéen, cette errance acquiert une coloration particulière, plus durement lumineuse, colorée et « tranchante » (y compris dans les images en noir et blanc, les gris ne sont pas les mêmes, la texture de l'air et des choses...), que dans les ports et les bords de mer du nord de l'Europe qui possèdent aussi une qualité de lumière spécifique. Celle-ci semble souvent adoucir et agrandir notre perception de l'espace...

« Le document ment » (Marc Donnadieu)

2008-07-11T14:57:00.004+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Naples, 2003 »,
de la série « Fascination Street » (Holga)

Non pas enregistrer le réel – « le document ment » (selon M. Donnadieu, lors de la table ronde organisée au CPIF lors de Foto Povera 3), de toute façon – mais creuser une brèche dans le réel, comme j'éprouve parfois le sentiment de creuser avec mon regard un sillon dans ces rues où il est si bon de flâner, de m'abandonner à une lente dérive mentale...

J'aime éprouver le sentiment d'entamer cette matérialité friable, d'effeuiller ses strates, de déliter son illusoire stabilité, à laquelle tant de gens tentent de croire pour se rassurer...

Les Trains de lumière (Bernard Plossu et Pierryl Peytavi)

2008-07-10T10:49:00.006+01:00

Photos Pierryl Peytavi,
« sans titre, 2008 »

Les dernières photos en noir et blanc que Pierryl Peytavi m'a envoyé me font beaucoup penser à celles publiées par Bernard Plossu dans Train de lumière (Editions Yellow Now, 2000), livre de petit format qui est fait partie de ses ouvrages les moins connus et est sans doute l'un des plus radicaux. Les deux photographes aiment photographier en bus ou en train, à travers la fenêtre ; l'appareil-photo semble alors engagé dans un travelling, une séquence très cinétique : le moyen de transport n'est plus seulement un moyen de transport, c'est aussi une machine de vision qui se déplacerait comme une caméra sur des rails.

Photos Bernard Plossu,
pages du livre Train de lumière
(Editions Yellow Now, 2000)

Train de Lumière : est-ce de la photographie ou du cinéma d'ailleurs ? En réalité les deux. A propos de sa série, Bernard Possu déclare d'ailleurs au début du livre :

« Ces photogrammes [...] sont extraits de la bande en super-8 mm que l'on me voit tourner dans Sur la voie, film de Hedi Tahar, réalisé d'après une idée originale de Bertrand Priour et qui en contient des extraits. Le trajet était La Ciotat – Lyon – La Ciotat en train (comme les frères Lumière cent ans plus tôt).

C'est dans le studio de Jeff Guess que nous avons déroulé le film super-8 pour faire le choix des images, Bertrand Priour, Jeff Guess et moi. »

Sur les relations entre Foto Povera et le cinéma dit « professionnel » ou « amateur », Cf. l'article que j'ai déjà consacré à la série « Routine » de Benoît Géhanne et Marion Delage de Luget : http://fotopovera.blogspot.com/2007/12/foto-povera-le-cinma-amateur-routine-de.html et une vue du Vésuve prise en autobus par Pierryl Peytavi : http://fotopovera.blogspot.com/2008/01/le-vsuve-par-pierry-peytavi-brownie.html

Les photos de Bernard Plossu sont consultables sur ce site : http://www.documentsdartistes.org/artistes/plossu/repro10-1.html

Les chiens qui errent dans Foto Povera...

2008-07-10T09:48:00.006+01:00

Photo Pierryl Peytavi,
« Sans titre », 2007
(Brownie Flash 6 x 6)

« Un gros chien se tenait devant l'entrée, une grande bête noire, menaçante, qui grognait. Elle distinguait l'éclat de ses dents et de ses yeux. Il fallait qu'elle s'introduise très vite à l'intérieur, elle le savait. [...] Le chien était contre un mur et la regardait, mais elle voyait maintenant qu'il ne lui ferait pas de mal. Sa queue balayait la poussière, et il était si maigre qu'elle distinguait ses côtes sous la fourrure noire, sale et râpée. Ses yeux fous brillaient. Il voulait qu'elle soit bonne envers lui. »

(Doris Lessing, « Debbie et Julie » in Nouvelles de Londres, 1992, p. 14.)

Photo Driss Aroussi,
« Chien de Fezna »

La fourrure de l'animal photographié par Driss Aroussi n'est certes pas noire, mais la bête me fait tellement penser à celle décrite dans la nouvelle de Doris Lessing : j'y retrouve la même violence animale prête a exploser, gueule ouverte, dans un combat qu'on imagine à mort !

Le chien photographié par Pierryl, avec un Brownie 6 x 6 à, Porto, avec sa blanche fourrure laineuse qu'on imagine douce au toucher, qui se détache sur le mur jaune, et prend la rapide tangente canine de l'animal incertain quant au rapport de force animal / humain, est beaucoup plus rassurant que celui décrit par Doris Lessing et celui croisé par Driss ! Celui photographié par Anne-Marie, adorable, attachant bâtard, l'est encore plus (après que nous l'ayions nourri avec les restes de nos casse-croûte, il a bien failli entrer avec nous dans le wagon qui devait nous ramener à Naples... mais nous ne pouvions l'adopter, comment le faire rentrer dans l'avion de notre retour vers la France ?).

Photos Anne-Marie Grapton,
« Quai de la gare d'Ercolano (Herculanum),
septembre 2007 » (Kyocera)

J'ai remarqué que ces animaux errants ou semi-domestiques, menaçants ou affectueux, sont récurrents dans mes photos et celles des amis du collectif Foto Povera (comme les chats d'ailleurs...) : « photographier avec les tripes », mais aussi à hauteur d'animal, voire au ras du sol...

Cela peut sembler une modification infime dans la manière de voir, le rapport au monde, la construction mentale que nous en faisons... mais en réalité c'est un vrai bouleversement des échelles de valeur, des habitudes ; cela met à mal nos prétentieuses conventions antrhopocentristes.

« Se faire plaisir » par Jean-Marie Baldner

2008-07-08T08:29:00.004+01:00

Photo Guillaume Pallat,
« 14h00/14h02, 2001 »,
de la série « Temps libre »,
(sténopé couleur, tirage 70 X 90 cm)

Dans ce sténopé de Guillaume Pallat, le temps de pose long a effacé complètement, ou presque (car à bien y regarder, il subsiste, telles d'infimes résidus de brume, quelques minuscules « fantômes » des corps), la présence des joueurs de football qui n'existent plus qu'en creux, par leur absence. Notre rapport à l'espace-temps est, du coup, comme chez Felten-Massinger, Claire Lesteven, ou parfois Remi Guerrin, bouleversé. Ce sont avant tout l'écoulement lent du temps et les perturbations formelles que celui-ci entraîne sur l'espace qui constituent les véritables sujets de la photo.

Voici le texte de présentation de l'exposition « Foto Povera 4, journées off portes ouvertes chez Jean-Luc Paillé (4-6 octobre 2007)» rédigé par notre ami Jean-Marie Baldner :

« Se faire plaisir

Il y a dans Foto Povera des correspondances, des dialogues indistincts des temps et des espaces, un désir profond de provoquer le hasard par la matérialité de l’image. Rien donc d’un repli nostalgique sur l’esthétique de techniques et d’appareils surannés. Un groupe d’échanges, une communauté de plaisir, relayés par le blog de Yannick Vigouroux, des artistes, des amateurs, qui manipulent aussi bien le sténopé, les appareils anciens ou les appareils jouets, les chambres réputées que l’ordinateur et le téléphones mobile ; qui expérimentent l’image en mouvement dans l’image fixe et son contraire ; qui revendiquent la pauvreté comme démarche et comme pensée de l’image. La prospection n’exclut ni le métier, ni la sophistication, ni l’esthétique, elle les use pour les mettre en danger, les conduire à leur point de déséquilibre, au moment où l’image trouve sa source dans l’effondrement de la valeur qui la fait reconnaître et apprécier dans les champs de l’histoire et du marché de l’art. Bousculant tout ce qui rassure de l’apriorisme mimétique et esthétique de la photographie, ces photographes commettent un flagrant délit de non évènementiel, de narration du geste visuel de l’attente. Entre continu et discontinu, ils construisent la surface photographique d’imperfections pour faire surgir l’inattendu dans le durable, l’accommodation dans la disparition. Ils se font plaisir.»

Exposition sur les ports méditerranéens, Sanary-sur-Mer, sept.-nov. 2008

2008-07-04T10:15:00.004+01:00

Voici l'accrochage de ma série « Littoralités » (chaque tirage mesurera 24 x 30 cm), imaginé par Philippe Calandre, pour l'exposition sur les ports méditerranéens qui ouvrira en septembre 2008 à Sanary-sur-Mer. Seront aussi exposées les photographies de Philippe, Remi Guerrin, Benoît Géhanne, Christophe Mauberret, et Pierryl Peytavi.

Le salon d'automne de la ville de Sanary-sur-Mer aura lieu du 19 septembre au 16 novembre 2008, à l’Espace Saint-Nazaire.

« In the Eye of the Beholder » de Julie Vola (la suite)

2008-07-02T13:29:00.004+01:00

Photo Julie Vola,
de la série « In the Eye of the Beholder », 2008
(Holga)

« Bonjour,

A la lecture de votre dernier post sur le blog Foto Povera, je me suis dit que cette image vous plairait peut-être. C'est avec plaisir que "je vous l'offre"...

Je viens de passer mon diplôme [de l'ENSP d'Arles]. Depuis votre article sur ma photo, ma réflexion autour de mon travail a un peu évolué. Je ne me référence plus aussi explicitement à Serge Tisseron, bien que ce qu'il a écrit dans Nuage/soleil (1994) reste important pour moi. Mais voici l'état de ma réflexion aujourd'hui :

pour commencer le titre est désormais réduit à " In the Eye of the Beholder " ("éliminer le superflu") - définition. Beholder : (nom) une personne qui prend conscience (de choses ou d'évènements) au travers de ses sens, plus particulièrement la vue. Behold (verbe) : percevoir à travers l'utilisation de ses facultés mentales; saisir. (To perceive through use of the mental faculty; comprehend). Hold : détenir, emprise.

Ma pratique photographique est celle de la déambulation, un parcours dans la nature à travers une recherche atmosphérique portée sur l'effet d'apparition d'un élément naturel, d'une lumière, d'une couleur.

Ces photographies sont des paysages intérieurs. Je cherche à reproduire les paysages tels qu'ils m'apparaissent et non tels qu'ils sont. J'utilise un Holga, comme une machine de vision ("une machine à poésie" comme le disait Nancy Rexroth), car cela correspond mieux à ce que je vois.

Marc Trivier, dans Lost Paradise (2002), parlait de paysages rétiniens à propos de son Brownie, qui produisait des images qui correspondaient à ce qu'il avait vu. Il y a quelque chose de l'ordre de l'évocation, de la mémoire, du souvenir que l'on a, de nos propres paysages intérieurs. Je souhaite rendre compte de l'activité imageante du regard car lui seul institue véritablement l'environnement en paysage. "Le paysage en tant que tel n'existe que dans l'œil de son spectateur. " (Schlegel). C'est un rapport romantique que j'ai au monde dans ce travail, je l'avoue, mais aussi dans mon rapport au paysage en général. J'essaie avec mes images d'être dans le monde, dans le paysage et non juste devant.

Pour le diplôme, j'ai créé un accrochage "en constellation" sur un mur de 7 m. Celui-ci a permis de jouer sur plusieurs rapports, notamment sur un rapprochement du regardeur, grâce au petit format et à l'encadrement il y a un resserrement qui permet qu'un rapport intimiste se forme (enfin j'espère), chacun construisant son propre parcours visuel...

J'espère que l'image vous plaira.

Amicalement,

JuLie Vola (10 juin 2008). »

http://www.julievola.com

« Foto Povera n'est pas une règle du jeu », par Marion Delage de Luget

2008-07-02T09:07:00.002+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Hermanville-sur-Mer, Normandie, 1999 »,
de la série « Littoralités »
(Box 6x9)

« Foto Povera ?

Ce n’est pas une règle du jeu. Parce qu’il n’y a pas d’idéal à atteindre, aucun but préétabli, et c’est là tout l’intérêt de la démarche. Foto povera est un performatif. Cela veut dire qu’il n’y a pas, pour réussir cette photo pauvre, d’autres recettes que celle de l’expérimentation. Faites le ; et Kurt Schwitters le rappelait à ses élèves : faites le comme jamais personne ne l’a fait avant. Pareil : Foto Povera ne s’enseigne pas, pas autrement que comme un état d’esprit. Foto Povera, c’est, comme on dit, ce certain regard qui ne clôt pas la grille de lecture selon les références historiques, ou la reconnaissance technicienne. C’est cette possibilité que seule permet la transversale de lutter contre la rigueur trop orthogonale de la norme. C’est cet espace pratique, théorique, que l’on nous propose de nourrir pour décloisonner une fois pour toute ces catégories dépassées qui font dire d’une photo qu’elle est bonne ou mauvaise. Ni haut, ni bas, disait Denis Hollier ; Foto Povera est cette respiration qui permet d’envisager le monde sans contraintes hiérarchiques. »

(Marion Delage de Luget)

« Un appareil aussi simple que le vent, le sable et le soleil... » (Les photos de Michel Castermans)

2008-06-30T10:36:00.017+01:00

Photo Michel Castermans,
« Sicile, 2008 »
(Agfa Isola nuage-soleil)

J'ai échangé ce mois passé plusieurs e-mailsavec un ami bruxellois de Bernard Plossu, « son frère de coeur » (quelle belle expression !) comme il aime le nommer, et compagnon de marche (ils viennent de voyager ensemble, à pied, en Sicile).

Yannick Vigouroux :

« Bonjour,

[...] Bernard Plossu m'a fait découvrir votre travail récent en Sicile, que j'ai beaucoup apprécié. Pourriez-vous m'en dire plus ? (notamment quel boîtier vous avez utilisé ?...). J'aimerais évoquer vos photos sur mon blog consacré à Foto Povera. »

Voici sa première réponse :

« Bonsoir,

Merci de l'intérêt que vous portez à ces quelques images.

Je connais votre dynamisme (et vos publications) en la matière.

Les photos de Sicile ont été prises ave

c un Agfa "isola" nuage-soleil (5 € sur e-bay) et quelques vieux rouleaux disparates de 120 qui trainaient dans mon frigidaire...

Au plaisir de vous rencontrer (bien que je vous ai déjà vu il y a quelques années à la MEP lors d'une conférence à laquelle était présents entre autres, Serge Tisseron...)

Bien cordialement.

Michel Castermans. »

Photos Michel Castermans,
« Sicile, 2008 »
(Agfa Isola nuage-soleil)

Puis la seconde :

« Bonsoir Yannick,

Sur la suggestion de Bernard Plossu, je vous envoie également cette série de sténopés couleurs réalisés dans le Hoggar avec le petit appareil en bois de "Ruben Molina" comme celui illustré à la page 81 dans Les Pratiques pauvres. L'idée de cette série était d'utiliser un appareil aussi simple que le vent, le sable et le soleil...

Bien cordialement.

Michel Castermans (23 juin 2008). »

C'est donc bien cet appareil « Nuage-Soleil », devenu pour moi comme tant d'autres, « mythique », depuis la publication du livre éponyme (Éd. Marval, 1994), contenant un texte remarquable de Serge Tisseron et les photos de Bernard Plossu, prises avec différents appareils-jouets, qu'a utilisé Michel Castermans en Sicile...

Photo Michel Castermans,
« Hoggar »
(Sténopé Ruben Molina)

Les photos prises dans le désert avec un sténopé en bois attestent des mêmes préoccupations coloristes sans jamais, toutefois, verser dans l'esthétisme ; de la même sensibilité extrême à cette lumière tantôt méditerranéenne, dans l'extrême sud de l'Italie – et aux signes vernaculaires de l'île – tantôt spécifique au Sahara.

« L'idée de cette série était d'utiliser un appareil aussi simple que le vent, le sable et le soleil... » : cette phrase a tout particulièrement retenu mon attention. Le bois ce n'est pas du métal, c'est organique, que l'arbre soit mort ou pas. Cette attention aux éléments naturels, et la relation directe, simple, qu'on entretient avec ceux-ci, est dans ces quelques mots si bien, et de manière concise, formulée...

« La Balade de Bonaventure », un mode d'exposition « pauvre » (les photos d'Arnaud Zajac)

2008-06-24T10:47:00.006+01:00

Photos Arnaud Zajac,
de la série « La Balade de Bonaventure »

Arnaud Zajac m'a récemment envoyé ce courrier :

« Bonjour,

je viens de passer quelques heures à visiter « Foto Povera 2» ; ça m'a donner envie de t'envoyer quelques images... elles sont je crois assez proches, dans l'esprit, de celles que tu montres... (bien que faites avec un appreil numérique). Le côté « pauvre » c'est aussi pour moi le petit format imprimé avec mon imprimante à 3 sous... » [extrait de la lettre postée le 19 mai 2008]

Voilà un aspect que je n'ai que peu abordé sur ce blog : l'économie de moyens pour laquelle optent nombre d'artistes dans le mode de présentation de leurs images: des petits tirages chromogènes ou des impressions jet d'encre simplement collés au mur (Cf. par exemple Caroll' Planque), sur le modèles des Lomowalls des Lomographes. Pas de frais d'encadrement ; pas frais de contrecollage...

Notons que fortement pixellisées, les images numériques peuvent elles aussi relever de pratiques pauvres ; par ailleurs les images d'Arnaud Zajac, avec leurs flous, leurs cadrages fluides et spontanés, souvent excentrés, évoquent parfois fortement certaines photos de Bernard Plossu...

Influence qu'il reconnait dans son second courrier, en réponse au mien :

« Je pense aussi que la Foto Povera est une question d'état d'esprit, de rapport au monde et pas une question de moyen techniques ou autres. Peut-être aussi quelques références plus ou moins conscientes en commun...

Tu me parlais de Bernard Plossu ans ma réponse par courrier] ; la découverte de ses photos dans les années 1980 a été pour moi un point de départ, à partir duquel j'ai découvert de nombreuses choses que j'ignorais, en particulier la Beat Generation...

J'avais rédigé un petit mémoire sur le travail de Bernard Plossu quand j'étais étudiant. Il m'avait beaucoup encouragé quand je lui avais montré mes photos. Ensuite, j'ai arrêté de faire des photos pendant des années...

Il y a deux ans, après la naissance de mon fils, mon regard a changé et je me suis mis à faire des images avec un appareil numérique (alors que je n'aimais pas ça du tout, moi j'étais un amoureux du beau baryté et du grain...) et peu à peu j'ai trouvé certaines images intéressantes, débarrassées de mes tics, de mes effets... (je pense qu'une bonne photo reste une bonne photo même imprimée sur du papier journal non ?). »

Je pense aussi en effet qu' « une bonne photo reste une bonne photo même imprimée sur du papier journal » ; c'est d'ailleurs ce qu'a fait Daniel Price, avec du papier recyclé, pour diffuser des photos réalisées avec des toys-cameras dans sa revue Shots. Dans chaque numéro de la revue, l'on peut vérifier qu'une bonne image conserve sa force formelle intrinsèque, même mal imprimée... A noter qu'Arnaud Zajac aime imprimer lui-même ses photos avec une imprimante basique, et relier les feuilles pour constituer des petits livrets : petit format, économie des moyens techniques... (comme à sa manière, et avec ses Polas, Clotilde Noblet...). L'on ma souvent reproché de recourir à l'appellation « photo pauvre », à tort ou à raison – je reste ouvert au débat et ne suis pas avide de consensus, au contraire, nombre de contradictions peuvent être relevées dans le mode de production, présentation, et vente des images des adeptes de la Foto Povera, et je l'assume pleinement, tant que ces « contradictions » me semblent constructives... – ce qu'ignorent ou font semblant d'ignorer les gens, de bonne fois ou non, c'est que, pour rendre viable une expo, vendre une photo ou un livre, l'on doit souvent renoncer au titre original, plus universitaire : « Foto Povera » n'est-il pas, tout comme, à un moindre degré, « Les Pratiques pauvres , du sténopé au téléphone mobile», plus « vendeur », moins hermétiques que le titre de mon mémoire de DEA d'histoire de l'art soutenu en 2000 à l'Université Paris-1 Panthéon Sorbonne (je remercie à nouveau Philippe Dagen et Michel Poivert, pour leurs conseils avisés, et l'intérêt qu'ils manifesté à l'égard de mes recherches) : « Les Pratiques archaïsantes dans la photographie contemporaine. ») ?...

Contraintes universitaires, journalistiques, artistiques et commerciales : adeptes de la « Foto Povera », ceux qui s'en revendiquent clairement, ou ceux qui se déclarent proches du concept, nous pratiquons tous des prix modérés d' « atelier » (compter - sans commission de galerie qui double alors les prix - de 80 à 2 000 euros le tirage, la moyenne étant de 200 à 400 euros).

La « Foto Povera » coûte souvent peu aux collectionneurs de photo : peut-être est-ce que pour cette raison que nous ne sommes pas pris, parfois, au sérieux, et pas achetés alors que j'ai vu nombre de gens s'enthousiasmer pour nos photos ? Le Low-Cost serait-il mal vu dans le marché de l'art ? Ce serait triste et dommageable pour le public peu aisé financièrement d'être dissuadé par ce préjugé, et dommageable, le mot n'est pas trop fort selon moi, pour l'histoire de la photo...

Mais revenons à Arnaud qui me confie par ailleurs, dans le même courrier, qu'il « préfère l'appellation "photo alternative" à "Foto Povera", cela fait penser au Rock alternatif... tout ça... un truc fait pour tout le monde... simple, indépendant, libre... Enfant, j'aimais l'idée que le Rock pouvait changer le monde...

Un autre univers important pour moi : le polar qui, comme le rock, est un genre populaire, souvent engagé... j'aime surtout les auteurs français comme Pouy, Raynal et bien d'autres... »

« Rock » et « Polar » (pour ma part, j'évoquerais aussi Manchette, Izzo, Siniac, Pelot pour les Français ; et le Belge Simenon, les Américains Himes, Ellroy...) : ce sont des goûts que nous avons en commun et que partagent, je crois, nombres d'adeptes de la « Foto Povera », ou « de pratiques archaïsantes », ou « alternatives »....

Ce « rock » qui pourrait changer le monde : c'est ce que formule, justement, Daniel Challe, dans son dernier livre, Fuga, paru aux éditions Filigrannes, déjà chroniqué ici, et dans une version plus longue et plus polémique sur : http://www.lacritique.org/article-parution-de-fuga-de-daniel-challe

Dans mon second courrier, je lui ai aussi demandé, si si certaines photos étaient faites, comme je le supposais, sans viser ?

« Oui, certaines photos sont faites sans mettre l'oeil dans le viseur... mais dire qu'elles sont faites sans viser ? Je ne crois pas... Je vise sans regarder dans le viseur, mais (ce n'est pas fréquent), je vise avec le viseur mais très vite. Je fais beaucoup de photos en conduisant ma voiture et en vélo, c'est vraiment la bonne vitesse pour voir. »

Prendre le temps de voir, en prenant son temps mais en cadrant parfois vite, de manière spontanée, et associer le mécanisme du vélo à celui des anciens appareils photo... Voilà un projet qui me plait beaucoup.

La série de Polaroïds SX-70 « Alice Raide » de Clotilde Noblet

2008-06-23T10:26:00.020+01:00

Photo Clotilde Noblet,« Alice 01» ,
de la série « Alice Raide », 2001
(Polaroïd SX-70)

J'ai demandé à Clotilde Noblet quels étaient le contexte de réalisation, l'idée sous-jacente, l'usage très particulier qu'elle fait du rouge dans la série « Alice Raide ».

Cette série si mystérieuse me fascinait depuis plusieurs semaines mais j'ignorais pourquoi au départ.... Quelque chose résistait, m'échappait.

Bien sûr, il y a, dans cette série, ce rouge omniprésent qui aimante le regard, et parfois, dans le visage d'Alice (un pseudonyme, ce qui est cohérent : un personnage, une actrice porte rarement son vrai prénom) ce flou troublant évocateur d'états seconds...

J'ai fini par envisager cette hypothèse : et si ces Polaroïds échappaient à toute interprétation rationnelle ?... et cette couleur rouge qui unifie la série m'a rappelé le bleu satiné du film Blue Velvet (1985) de David Lynch, cinéaste qui revendique une cinéma de sensation, aux images et au récit polysémiques...

Depuis, après quelques échanges téléphoniques et d'e-mails, j'ai rencontré l'artiste en mai, dans un café de Paris, avec mon ami Pierryl Peytavi, qui m'avait incité à découvrir son travail.

La personne et ses photos se sont révélés aussi fantaisistes et attachants que le profil avenant de la jeune femme qui apparaît sur son site....

Donc, au téléphone, via Internet, puis de visu, comme à mon habitude [quel bonheur, comme critique, d'écrire sur des artistes vivants : l'on remonte à la source directe de la sensibilité, de la parole et de la vision, ... donc moins de risques de déformations fantasmatiques écrites à contresens parfois par les historiens de l'art !], je lui ai posé nombre de questions.

Photos Clotilde Noblet, «HER HOT-DOG » et «HER RAIDE-CHAIR » ,
de la série « ALICE RAIDE », 2007
(Polaroïds SX-70)

Voici, par e-mail, la réponse de l'artiste :

« Les Polaroids "Alice Raide" ont été pris à différentes époques.

Le plus ancien date de 2001 (" Alice's Vibrations " ) et le plus récent (" Alice") date de 2007.

L'idée de la série porte sur une sensation, c'est un univers clos, qui ressemblerait à une séquence cinématographique.

Les dominantes rouges accentuent le côté inquiétant et énigmatique de la série... »

« Une sensation » ; « un univers clos » (c'est aussi le cas de nombre de films de Lynch) ; « une séquence photographiques » : cette belle série aurait pu être nommée aussi « Red Velvet », tel un clin d'oeil à Blue Velvet ?

Photos Clotilde Noblet,
« ALICE'S-VIBRATIONS », 2001
(Polaroïd SX-70)

Clotilde aime parler, à propos de son travail, de « démarche introspective », s'est reconnue lorsque je la lui ai suggéré, dans la notion d' « auto-fiction ».

Elle aime aussi réunir ses Polas dans des livrets, tels que Psychotif...

Les photos faites à New-York, des vues de ponts suspendus, ressemblent, à l'image des première photos de Walker Evans, et de nombres d'avant-gardistes des années 1920-30, à des toiles d'araignée déployées à l'infini qui « attrapent le regard », et élargissent le champ de l'imagination.

Les carnets de Clotilde sont très beaux ; nombre de cadrages sont déconcertants, sensuels, radicaux et justes !

Des oeuvres à découvrir lors de « Foto Povera off 4, journées portes ouvertes » dans l'atelier de Jean-Luc Paillé (94, bd. De Port-Royal, 75005 Paris, RER Port-Royal, du 4 au 6 octobre 2008), avec celles d'autres participants au collectif Foto Povera. A venir bientôt ici de plus amples informations sur ces journées, ainsi que sur « Foto Povera 5 » qui aura lieu en novembre 2008 à l'Opal Gallery d'Atlanta, où je viens d'exposer avec Bernard Plossu.

L'article que j'ai écrit avec Laurent Garreau sur « The Air is on Fire» (exposition des oeuvres graphiques de David Lynch à la Fondation Cartier, Paris, en 2007) est consultable sur : http://www.lacritique.org/article-the-air-is-on-fire?var_recherche=david%20lynch

Le site de Clotilde Noblet :
http://www.clotildenoblet.com

Inauguration de l'exposition « Correspondances, Bernard Plossu & Yannick Vigouroux », par Darin Melton

2008-06-18T09:50:00.017+01:00

Photos Darin Melton,
« Inauguration de l'exposition
"Correspondances, Bernard Plossu & Yannick Vigouroux",
The Opal Gallery, Atlanta, 31 mai 2008 »

Thanks to Darin (http://www.flickr.com/photos/devilsniff/)

Mes derniers diptyques réalisés avec un MAVICA Sony

2008-06-16T10:10:00.010+01:00

Photos Yannick Vigouroux,
« Paris, 4 juin 2008 », de la série « Underground »
(MAVICA Sony)

Nouveau diptyque, réalisé cette fois avec mon MAVICA Sony (j'aime orthographier son nom en majuscules / capitales, pour souligner, inconsciemment au départ, la physionomie imposante de l'objet) . Lourd, volumineux et attachant boîtier stockant les images sur une disquette, conçu avant 2000, et précurseur des appareils numériques actuels...

Les gens le confondent souvent avec un camescope !....

Certes, il n'est pas comparable à une lourde chambre de format 4 x 5 inches ou 20 x 25 cm... mais sa morphologie désuette au point de paraître « massive » (il y a quelques décennies les cameras Super-8 auxquelles recouraient les amateurs étaient de la même dimension ou presque) ; le lent si long ronronnement aussi électronique qu'animal qui accompagne chacune des prises de vue, ou le visionnage d'une de ces vues, font par « excès » de présence, oublier justement cette présence...

Photo Yannick Vigouroux,
« Paris, 4 juin 2008 », de la série « Underground »
(MAVICA Sony)

Encombrant, lourd mais pratique et efficace, à sa manière, ou ma manière de voir et enregistrer le monde ?... Dommage que le Minitel d'un marron indéterminable mais efficacement déprimant , objet aliénant (dépendance aux « technologies modernes ») n'ait jamais possédé, dans les années 1980, de fonction « photo » ou « vidéo », avant l'apparition de la webcam....

Les cônes de signalisation (Digital Pinhole)

2008-06-16T09:46:00.002+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Cône de signalisation, Gare de Saint Quentin-en-Yvelines, 24 avril 2079 »
(Sténopé numérique / Digital Pinhole)

C'est juste un cône de signalisation dont le rôle est justement d'attirer l'attention du regard : délimiter une zone interdite, dangereuse...

Certains objets contemporains ressemblent à des oeuvres d'art post-modernes, des ready-made, dont le prosaïsme ne fait que renforcer la beauté.

« Cela l'étonne toujours de se surprendre penché sur les petites choses, tellement attaché aux détails. Il se rappelle les vieilles cravates qu'il a jetées il y a dix ans, la couleur d'un timbre du Congo Belge, orgueil d'une enfance philatéliste. Comme si au fond de sa mémoire il savait exactement le nombre de cigarettes qu'il a fumées dans sa vie, le goût de chacune d'elles, le moment où il les a allumées, l'endroit où il a jeté leur mégot. »

(Julio Cortázar , Les Armes secrètes, 1963)

C'est une des interrogations et type de réminiscence que je rencontre souvent, consciemment ou non, quand je photographie. Et tout particulièrement lorsque je cadre, et fais la mise au point...

Mais aussi lorsque que j'essaie – cette fois sans appareil-photo – de porter un regard différent, moins conventionnel qu'à l'habitude, sur mon environnement quotidien... J'éprouve toujours dans les deux cas, avec ou sans appareil-photo, un léger vertige, en apparence insignifiant, mais en profondeur si déstabilisant, subversif....

Photographier, est-ce inventorier les flous de nos fausses certitudes ?

Exhibition "Plossu-Vigouroux, Correspondances", Atlanta, My 31- June 17, 2008

2008-06-13T08:39:00.010+01:00

« "Correspondances" : ce beau titre évoque pour moi bien sûr l'amitié qui me lie avec Bernard Plossu, et qui se traduit depuis dix ans, notamment, par une abondante
"correspondance" épistolaire (échanges fréquents de courriers postaux et d'e-mails) depuis notre rencontre, mais aussi
"les correspondances "ou" équivalences", "circulations" qui existent entre nos deux travaux. "Correspondances" mais je précise que celui qui est influencé... c'est moi bien sur, pas lui ! Je suis plus jeune et beaucoup moins connu.

Bernard Plossu, avec qui je suis si heureux d'exposer, est sans doute l'un des photographes les plus importants de sa génération en Europe. Généreux, ouvert, d'un enthousiasme contagieux, il a marqué le regard de nombreux jeunes photographes, m'a encouragé comme beaucoup d'autres à faire des images, à photographier beaucoup, dans toutes les circonstances, où que l'on soit...

C'est quelqu'un qui n'a pas peur d'être plagié, imité; au contraire, il aime les échanges, l'idée que son oeuvre soit nourrie par celle des autres...et l'inverse.

J'ai parlé d'un photographe dont l'importance est de dimension européenne: elle l'est peut-être en réalité au niveau mondial. S'il est attaché à la ville portuaire de La Ciotat (la ville des Frères Lumière qui inventèrent et le cinéma et le procédé autochrome...), dans le Sud de la France, où il vit, il a aussi vécu de nombreuses années aux USA et en Espagne, et a beaucoup voyagé dans d'autres pays.

Ce photographe qui est né en Asie, au Viêt-Nam, bien que de nationalité
"française", n'est-il pas d'une certaine manière "Américain", "Espagnol" aussi ? Et pourquoi pas "portugais", tant il aime comme moi ce pays, peut-être autant d'ailleurs que l'Italie et la Belgique ?...

Le côté straight, direct, spontané de ses prises de vue, sa posture humble et fraternelle face au sujet, et le bonheur évident de photographier que reflètent ses images et ses nombreuses publications, m'ont beaucoup marqué. Bernard aime beaucoup parler des photos des autres, connus ou moins connus; souvent il me conseille de découvrir un photographe et j'en ai rencontré beaucoup grâce lui, et la plupart d'entre eux sont devenus des amis. J'ai le sentiment que nos photos ne cessent de dialoguer entre elles, au fil de nos discussions téléphoniques, de nos entrevues, de nos échanges de lettres et d'e-mails. Aucune concurrence. Mais des images qui font écho à celle de l'autre, et des autres, sans cesse. »

(Yannick Vigouroux)

Photos Constance Lewis,
exhibition "Plossu-Vigouroux, Correspondances",
Atlanta, My 31- June 17, 2008

Opal gallery is pleased to present CORRESPONDANCES : Bernard PLOSSU and Yannick VIGOUROUX an exhibition of photography. "Correspondances" refers to a friendship that has been translated over ten years by an abundant "correspondence" (frequent exchanges of letters and e-mails) between a young photographer and his mentor.

Generous, open, and with an infectious enthusiasm, Bernard Plossu has inspired countless young photographers to photograph everything fearlessly and always-- to make pictures out of the world. His straightforward and spontaneous approach to capturing and image is evident in the work of photographer and art critic Yannick Vigouroux.

Separated by a generation, these photographers have found in common the "indecisive moment" and have translated it in their own unique way with cameras that are often referred to as "primitive" in the modern world of digital technology.

For the first time ever, these two photographers exhibit their images together. The result is a visual dialogue that reminds us that photography is a continual conversation of images that echo each other, and others.

YANNICK VIGOUROUX (b. 1970). Yannick Vigouroux is an art critic, historian of photography, curator, and photographer. He has received his diploma of photography at l'Ecole Nationale du Superieure (Arles) and has published several books on photography, including La Photographie Contemporaine

(Scala, 2002) co-authored with Christian Gattinoni and Les Pratiques Pauvres: Du Stenope au telephone Mobile (Isthme, 2005) co-authored by Jean-Marie Baldner. As a photographer he uses "toy cameras" and what is often referred to as "primitive" devices to capture his subjects. In 1996 he used a brownie box camera for the series "Littoralités" in which he explored the edges of sea and port cities. In 2006 he curated the exhibition FOTO POVERA 3 with Remi Guerrin. He lives in Paris.

BERNARD PLOSSU (b.1945). French photographer Bernard Plossu was born in South Vietnam. He began to photograph in the Sahara Desert at the age of 13, and at 20 he joined a two-year ethnological expedition to Mexico. He has travelled constantly since-- working mainly in black-and- white, and treating the photograph as a means of self-reflection. He has travelled extensively in the United States; often, returning to the American West. His books Le Voyage Mexicain (1979) and Jardin de Poussière (1993) offered subjective images of empty, skeletal landscapes that resonated strongly with the post-1960s generation. He has exhibited his work internationally. In 1988 he had a major retrospective at the Centre Pompidou in Paris.

The Opal Gallery is located at:

484 B-2 Moreland Ave NE

Atlanta, GA 30307

www.theopalgallery.com

http://www.flickr.com/photos/devilsniff/sets/72157605609032806

For more information please contact:

Constance Lewis ,Director

constancelewis@gmail.com

tel. (415) 601-0281

Absorbé par mon reflet....

2008-06-12T09:43:00.003+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Window # 912, Self-portrait, Carquebut,
Normandie, 8 juin 2008 »
(Mavica Sony)

« [...] depuis si longtemps maintenant ce sont les ombres qui me regardent. »

(Laurent Mauvignier, Ceux d'à côté, Les Editions de Minuit, 2002, p. 66)

En ce moment j'ai l'impression d'être absorbé, aspiré par ma propre image, comme si mon visage était annulé par son reflet...

Les « Poèmes bleus » de George Perros (une autre histoire de bleu)

2008-05-29T15:04:00.005+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Hermanville-sur-Mer, Normandie, 1999 »,
de la série « Littoralités » (Box 6x9)

« La mer ne rend pas intelligent mais elle empêche la bêtise. »

(George Perros, Poèmes bleus, 1985)

Et j'ajouterais que le bleu, ma couleur préférée, et celle de mes yeux qui me permettent de voir le monde, est aussi la plus rassurante et intelligente, ou la « moins bête ». Constat totalement subjectif dont j'assume complètement... la subjectivité, tout à fit contestable critiquable.

Photo Yannick Vigouroux,
« Self-portrait, 2008 »
(Sténopé numérique /Digital Pinhole)

J'aime le bleu des cyanotypes de Remi Guerrin, oui ; Une Histoire de Bleu de Michel Maulpoix (1992) aussi ; le « bleu Klein » ; le bleu des vitraux médiévaux ; celui de certaines toiles de van Gogh ou Soutine, de Matisse ; le bleu des azuleros portugais.. ; Bleu comme l'enfer de Philippe Djian (1982) ; « Les mots bleus » du chanteur Christophe ; le film Blue Velvet et l'album Blue Bob de David Lynch, ; le titre du dernier album de Alain Bashung Bleu Pétrole etc. Et le Blues bien sûr, je sais qu'il y a les bleus du corps et les bleus à l'âme, mais je ne me lasse jamais du bleu du ciel et du bleu de la mer...

J'aimerais cyanotyper l'univers entier...

Je conseille vivement, outre les deux recueils de poèmes évoqués, la lecture de l'ouvrage de Michel Pastoureau, Bleu, histoire d'une couleur ( éd. Du Seuil, 2000).

« Cadavre de chien » par Laurent Chardon (Holga)

2008-05-19T09:31:00.004+01:00

Photo Laurent Chardon,
« Sans titre, 2002 »
(Holga)

« Cher Yannick,

Comme tu le sais, je partage ta fascination pour ces chiens errants ou semi-domestiques (CF. http://fotopovera.blogspot.com/2008/05/mmories-of-dog.html )..

Une race de chiens, tous un peu semblables, que l'on retrouve tout autour du Monde et qui nous accompagnent lors de nos voyages.

Leur vie est bien différente d'un pays à l'autre. Cette sieste napolitaine me fait penser à des scènes que j'ai vu à Oulan-Bator, en Mongolie. Il n'est pas rare d'y croiser des cadavres de chiens allongés dans la même position. La population les chasse, le froid les congèle et les oiseaux, une sorte de corbeau, en font un festin. Triste sort...

Une vie de chien certainement plus agréable en Italie.
(Désolé pour cette note un peu morbide).

À bientôt ,

Laurent Chardon (13 mai 2008) »

« Salut Laurent !

Certes, comme tu l'écris, c'est un peu morbide, mais justement ton image illustre bien cette « fragilité de l'idéal » (CF. mon texte sur le cadavre de mésange bleu photographié dans un caniveau : http://yvigouroux.blogspot.com/2008_04_01_archive.html) qu'incarnent les animaux domestiques, ici décapitée, réduite à néant...

Yannick (13 mai 2008) »

« Mémories of a Dog »

2008-05-13T14:59:00.009+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Napoli, 2003 » (Holga)

« Clebs », « clébard », « cabot » etc. voilà des termes argotiques qui me plaisent beaucoup, dont la sonorité ne me lasse jamais (au même titre que « matou », et surtout « greffier » pour les chats, qu'utilise toujours ma voisine qui pourrait être ma grand-mère, Godelieve qui, elle, préfère, pour les deux catégories, parler de « bestiole à poils sur quatre pattes »... J'aime beaucoup cette appellation aussi désacralisante qu'affectueuse !).

Qu'ils soient spectraux et numériques comme ceux de Bruno Debon, tout aussi spectraux mais « réels » et argentiques comme ceux de Laurent Chardon, j'ai évoqué à plusieurs reprises ma fascination pour les chiens errants ou semi-domestiques...

Leur présence est récurrente, aussi, dans les photos de Pierryl Peytavi...

Photo Pierryl Peytavi,
« Le Chien qui pisse »

J'ai si peur depuis l'enfance des grands chiens, et surtout de ceux qui, efflanqués, attachés à une lourde chaîne (trop courte pour que le molosse puisse vous mordre, mais suffisamment longue pour dissuader le promeneur de toute intrusion...) , montent la garde à l'entre des fermes, j'éprouve une profonde tendresse pour les petits chiens que j'ai photographié si souvent à l'aide de mon Holga, de mon Diana ou de ma box 6 x 9, lors de mes voyages en Méditerranée. Ceux que je nomme mes « chiens de rencontre », tel ce petit chien à Majorque qui semble me guider, m'indiquer diligemment la voie de la mer que je souhaitais ce matin-là photographier...

Photo Yannick Vigouroux,
« Palma de Mallorca, 2002 »,
de la série « Littoralités »
(Box 6 x 9)

Dans Mémories of a Dog (Nazraeli Press / ViceVersa Vertrieb, 2004), dans lequel figure sa photo la plus connue (« Chien errant, Aomari, Japon, 1971) – et bien sûr, nombre d'autres photos remarquables de chiens –, Daido Moriyama revendique le point de vue d'un animal, en l'occurrence un animal appartenant à la race canine.

L'enjeu est de photographier de manière plus instinctive, moins intellectualisée : la pratique de ce Japonais, dont les photographies présentent un grain prononcé, au cadrage biaisé et heurté souvent (parfois Moriyama photographie en courant, sans viser...) n'est pas sans rappeler celle de Robert Frank, autre influence majeure, on le sais, de nombre d'adeptes de la Foto Povera...

Le « Chien errant » de Moriyama m'a d'ailleurs inspiré l'an dernier un début de nouvelle :

« Sur cette route de départementale isolée des Vosges, je freinais brusquement, pilais net. Plantée au beau milieu de la route, à une trentaine de centimètres seulement de mon pare-choc, l'animal aux poils laineux, qui ressemblait plus à un loup qu'à un chien domestique, tourna la tête vers moi et me fixa. Je ne perçu d'abord qu'un seul oeil vitreux, ouvert et hostile, chez cette créature âgée. En fait, comme je le découvrirai plus tard, il était borgne... » [à suivre ?...]

Il y a quelques mois, j'ai lu ces lignes :

« Un gros chien se tenait devant l'entrée, une grande bête noire, menaçante, qui grognait. Elle distinguait l'éclat de ses dents et de ses yeux. Il fallait qu'elle s'introduisse très vite à l'intérieur, elle le savait. [...] Le chien était contre un mur et la regardait, mais elle voyait maintenant qu'il ne lui ferait pas de mal. Sa queue balayait la poussière, et il était si maigre qu'elle distinguait ses côtes sous la fourrure noire, sale et râpée. Ses yeux fous brillaient. Il voulait qu'elle soit bonne envers lui. »

(Doris Lessing, « Debbie et Julie » in Nouvelles de Londres, 1992)

Mais aussi :

« Dans l'atmosphère de drame, ce chien a quelque chose d'inquiétant. Peut-être sa couleur d'un jaune sale ? Il est haut sur pattes, très maigre, et sa grosse tête rappelle à la fois le mâtin et le digue d'Ulm . »

(Simenon, Le Chien jaune)

Rien à voir cela dit avec ceux que j'ai photographié, en Italie par exemple, qui aiment se blottir dans des recoins ombragés ; inoffensifs, ils s'abandonnent à ce rassurant lâcher-prise si spécifiquement canin, ou félin...

Les Polaroïds d'Emmily Shaw

2008-05-07T10:13:00.003+01:00

Photo Emmily Shaw,
« Beach, 2 mai 2008 » (Polaroïd)

Emmily Shaw pratique principalement le Polaroïd amateur, on le sait, hélas, menacé de disparition. Elle aime dire qu'elle « fait de la photo pour s'amuser » ou si « elle voit quelque chose d'intéressant. » C'est donc avec une grande spontanéité et sans aucune prétention qu'elle aborde ses sujets. Ses récentes photographies de bords de mer sont particulièrement réussies.

La simplicité de ce rectangle blanc m'a frappé. J'aime cette économie radicale de moyens, cette façon d'utiliser la surexposition sans chercher l'effet spectaculaire (et donc facile...).

L'écume de l'océan a un aspect neigeux voire cotonneux qui évoque pour moi un espace originaire ou post-apocalyptique, comme si je contemplais la premier paysage vu par l'homme, ou au contraire le dernier...

Résultat d'une double exposition, ce monochrome ressemble à un palimpseste tremblé d'espace et de temps.

http://www.flickr.com/photos/23216626@N05/

« Albergo Prati, Napoli, La Sieste » (Anne-Marie Grapton)

2008-05-02T11:36:00.005+01:00

Photo Anne-Marie Grapton,

« Albergo Prati, Napoli, La Sieste, sept. 2008 »

(appareil numérique Kyocera)

La scène figée, légèrement floue, ressemble à une capture d'écran, au plan figé mais tremblé d'un film, ce que suggère - rappel cathodique - dans l'angle inférieur gauche, image dans l'image, l'écran de télévision allumé. Le miroir à droite fait contrempoint à celui-ci, autre écran ou fenêtre qui reflète partiellement l'intérieur d'une chambre d'hôtel. On devine seulement une lampe de chevet allumée, l'angle d'un lit.

Une douce lumière méditerranéenne et automnale baigne la chambre. Une lumière d'après-midi à Naples.

L'ambiance est rassurante ; c'est comme le titre l'indique, l''heure de la sieste.

Si l'image est légèrement floue, c'est par manque de lumière, mais aussi parce que la résolution de l'appareil numérique Kyocera utilisé est faible. Du manque, déficit, de qualité technique, nait un étrange effet de réalité, l'impression d'un doux flottement du regard, entre l'éveil et le sommeil.

Entretien avec Bernard Plossu (Paris, 1999)

2008-04-23T12:26:00.009+01:00

Photo Bernard Plossu, « Saint-Nizier, Dauphiné, 1971 » (Agfamatic),
extraite du livre Nuage Soleil, éd. Marval, 1994, p. 22

J'ai rencontré Bernard Plossu en 1999, après avoir échangé des courriers, et plusieurs discussions téléphoniques. C'est dans un café parisien que j'ai réalisé cet entretien. Sous la direction de Philippe Dagen, je rédigeais alors un mémoire de DEA d' Histoire de l'art (Université Paris-1, Panthéon-Sorbonne) sur les « Pratiques archaïsantes dans la photographie contemporaine ». J'ai en effet préféré par la suite l'expression « archaïsant » à « primitiviste »...

« Yannick Vigouroux : Peux-tu parler de ta pratique photographique, et expliquer pourquoi tu as souvent recours à des appareils amateurs ? S'agit-il d'une pratique "primitiviste" ?

Bernard Plossu : Ce qui m'intéresse en photographie, c'est d'être le plus direct et le plus juste possible, dans les situations les plus banales. J'essaie de faire des images simples (du moins en apparence, car en réalité une telle image n'est jamais simple mais au contraire très sophistiquée !). J'aime utiliser mon vieux Nikkormat équipé d'un objectif 50 mm car je peux photographier comme si j'avais en mains un Instamatic. Il n'y a rien à faire ou presque, sinon le minimum : dans la journée, je règle la vitesse au 1/1000 s, et le soir au 1/30 s.

YV : C'est un appareil télémétrique ?

BP : Non, réflex. C'est un boîtier Nikon qui date d'il y a une vingtaine ou une trentaine d'années, qui est en acier, donc très costaud. Il y a longtemps que mes boîtiers n'ont plus de cellule pour mesurer la lumière. En fait, cette cellule est dans ma tête. Ainsi, je suis toujours prêt à agir très vite, comme je le ferais avec un Instamatic. Ce qui me plaisait au départ dans l'Instamatic, c'est que l'appareil est plus rapide que la pensée. Je n'ai pas le temps de réfléchir et peux déclencher tout de suite. Pour cette raison, les appareils bon marché m'intéressent tous : le Prestinox panoramique à 90 Francs, l'Agfamatic "nuage/soleil", l'Instamatic Kodak... Ce qui compte, c'est le résultat. Que j'utilise un petit Instamatic ou mon Nikkormat, ce que je recherche c'est la spontanéité. Je peux photographier vite. Mais cette rapidité très "française", qui renvoie à l'"instant décisif" de Henri Cartier-Bresson, je l'utilise au contraire pour enregistrer des instants "non décisifs". Si ce sont des instants photographiés très nerveusement, il ne s'agit pas de fixer précisément le saut d'un homme sur une flaque d'eau, mais par exemple un morceau de lumière sur un mur avec une fenêtre, ou du vide...

J'aime bien l'expression que tu utilises dans la lettre que tu m'as envoyé, "mise en boîte du réel", qui m'incite à présent à faire une "mise en boîte", une moquerie sur cette croyance si répandue que l'on fait de bonnes photos parce qu'on a un bon appareil. Je n'y crois pas du tout. Quand je vois un individu équipé de gros téléobjectifs, je suis sûr que c'est un amateur. Alors qu'il est possible de faire de bonnes photos avec un appareil à 50 Francs, ce qui montre bien que c'est le contenu de l'image qui est important, pas l'appareil...

Photos Bernard Plossu,
« En sortant de Berkeley, Californie, 1980 » (Agfamatic),
extraites du livre Nuage Soleil, éd. Marval, 1994, p. 36-37

Cela dit, ce n'est pas parce que les photos sont un peu floues, imparfaites, qu'elles sont "primitives". Je crois qu'elles sont sophistiquées, même si elles déroutent les gens qui ne sont pas habitués à la photo. Pourquoi la photographie grand public, bien nette, faite avec des téléobjectifs, a t-elle autant de succès ? C'est parce que cela permet aux gens de régler la netteté de leur vie, dans les photos de fleurs, d'enfants et de paysages, ce que l'on appelle habituellement de "belles photos". Le bonheur en réglant ce bel appareil si cher, c'est de régler tout, la vie entière. C'est autre chose qui nous intéresse, toi et moi. Il ne s'agit pas d'une "anti-netteté", je crois que c'est plutôt une appréhension plus "ludique", pour employer un terme à la mode que je n'aime guère. C'est une "mise en boîte" de la photographie en général que de faire des images avec de tels appareils...

YV : Si un photographe "professionnel" utilise un appareil-jouet ou amateur, c'est donc aussi pour se prendre moins au sérieux ?

BP : Oui. Mais il faut faire attention à la "bonne photo ratée-réussie" : certains font des bons Polaroïds, en noir et blanc, de grand format ; ils font en sorte que tous les bords soient flous, comme s'il y avait des cheveux, pour que cela ressemble aux images de Robert Frank. Leurs photos deviennent "bonnes", mais si l'on pose un cadre blanc pour enlever tout cela, il n'y a plus rien. Cela me fait penser aux trop belles Marie-Louise, il faut se méfier des trop gros effets esthétiques.

YV : Utiliser ce type d'appareil, n'est-ce pas laisser entrer plus de hasard dans le cadre ?

BP : Ce n'est pas du hasard. Je vise ; je ne fais pas une photo en levant le bras en l'air et en me disant : je vais faire une photo artistique ! J'aime bien, pour plaisanter, dire que les photographes rencontrent le hasard qu'ils cherchent. Il nous arrive des choses qui n'arrivent qu'aux gens qui regardent. Certes, quelquefois, il y a des hasards extraordinaires, mais ce n'est pas si simple. Je crois qu'il ne peut jamais s'agir seulement de hasard...

YV : L'emprise sur le réel est-elle moins forte avec ces appareils, même si le photographe cherche un rapport plus direct avec celui-ci ? C'est en tout cas ce que je ressens face à tes images...

BP : Tu crois ? Je ne sais pas. C'est tellement rapide, cet instant de la prise de vue, que ce soit avec un Nikkormat au 1/1OOO s ou un Instamatic! Évidemment, c'est différent avec un paysage. Quand j'ai un panoramique dans les mains, à Saint Guilhem le désert, je m'arrête et je cadre. C'est de la photo "bien vue".

YV : Je trouve que les flous, les imperfections et le grain donnent à tes images une dimension onirique, qui renforce paradoxalement l'"effet de réalité"...

BP : Il y a du grain parce que les films en donnent. Il y a aussi du gris parce qu'il n'est possible désormais d'utiliser que des films couleur pour les Instamatics, qui seront tirés en noir et blanc. Il y a des zones de lumière lorsque j'utilise un appareil de première communion à 5O Francs, acheté dans le Tabac de la rue du village andalou où nous habitions. Je met un film 24 x 36 cm et la lumière rentre parce qu'il n'est pas parfaitement hermétique... Il faut savoir jouer de tout cela de manière à obtenir des photos intéressantes, mais il faut en jouer sans que cela ne devienne un "truc". La raison pour laquelle j'utilise un 50 mm en photographie est bien résumée par cette phrase de Gauguin : "Les effets ça fait bien, ça fait de l'effet." Je me méfie beaucoup des effets. Il est très rare qu'il y ait des fioritures dans mes photos. Avec mes Instamatics, je pourrais laisser des détails autour de l'image. Peu de photos sont dans ce cas, bien qu'il y en ait quelques unes dans le livre Les années d'Ameria (Los anos almerienses), faites avec des appareils-jouets. Par exemple, sur une page, deux vues sont juxtaposées : la première, la 23, ratée, est toute blanche, la 24 montre un palmier. Je trouve que la première image conduit joliment le regard vers la seconde. Dans les triptyques, il y a aussi parfois des numéros pour montrer la progression des vues, mais je ne les laisse pas toujours... Dans la photo montrant Manuela qui suce son pousse, j'ai laissé le numéro "1" et "Agfa" car justement j'ai utilisé un Agfamatic.

YV : En fait, ce qui est pour moi un grand bonheur, c'est la réflexion sur le format des images. Ainsi, dans le livre, les panoramiques de paysages imprimés en tout petit sur la page donnent envie de rentrer dedans, comme c'est souvent le cas avec les miniatures...

On a aussi l'impression d'être très près du format du négatif...

BP : Oui, c'est le contraire du grandiloquent.

YV : Cette question du format est importante. Chez des photographes comme Éric Dessert ou Rémi Guerrin par exemple, qui utilisent beaucoup le 4x5 inches, le fait que le format du tirage soit identique ou presque identique à celui du négatif relie beaucoup plus fortement celui-ci au moment et à l'acte de la prise de vue.

BP : En effet, cela relie plus le tirage à la prise de vue. Mais chez moi, ce n'est pas systématique. La taille du tirage est variable au sein d'une même série, pour des négatifs identiques. Je la détermine à la lecture de la planche contact, au moment de la sélection. Certains de mes tirages sont très petits, d'autres très grands... On a essayé, par exemple, de tirer la photo de la couverture de Nuage / Soleil en très grand, 1 x 1 cm, pour les expositions au Centre de Photographie de Lectoure et à Madrid, et le résultat était magnifique. En revanche, d'autres images reproduites dans le livre ont été exposées dans un très petit format. Souvent, dans une même série, j'imagine une image tirée dans un très grand format, et une autre dans un très petit format... Ce n'est pas un parti pris que je conseille, il s'agit seulement d'un choix très personnel auquel l'auteur doit réfléchir.

YV : A présent, j'aimerais que tu m'expliques pourquoi tu préfères parler dans ton courrier de "primitivismes" plutôt que de "primitivisme" ?

BP : Il me semble qu'il ne s'agit pas d'un courant homogène, mais qu'au contraire, ce terme recouvre une grande diversité de pratiques et de préoccupations, différentes sinon parfois carrément opposées. Le point commun de toutes ces pratiques serait toutefois l'utilisation de boîtiers "primitifs", à la fois anciens et rudimentaires, ou des boîtiers bon marché d'aujourd'hui...

YV : Je crois que dans tous les cas, la clef du plaisir que procure un tel boîtier, c'est de pouvoir faire des images tel que l'on a besoin d'en faire. Il est évident que les gens qui font des sténopés, de l'Instamatic ou du Diana, éprouvent un grand bonheur dans le jeu qui consiste à utiliser ces appareils. Je pense surtout aux photographes de l'école américaine influencés par les travaux de Nancy Rexroth au début des années 1970. Ils s'amusent en créant énormément. C'est presque une école du bonheur... D'ailleurs, Daniel Price a trouvé tellement de belles images faites au Diana qu'il a créé une revue imprimée sur papier recyclé, intitulée Shots, dans laquelle il a publié énormément de photos faites ainsi par de jeunes américains. Il a ainsi redonné un second souffle à l'école des suiveurs de Nancy Rexroth...

BP : Le seul problème, avec ce type de pratique, c'est que l'on a l'impression que tout le monde, un Diana en mains, fait de bonnes photos. Il est assez facile de faire ainsi de fausses "bonnes photos ratées" et il est important de distinguer ceux qui les font vraiment, sincèrement, et ceux qui les font seulement pour plaire, pour être dans un "créneau". Enfin, ce n'est pas si grave que cela devienne une mode! Pourquoi pas, si cela fait plaisir à tout le monde ? Après tout, il n' y a aucun mal à s'amuser...

YV : Tes images faites avec ces appareils bon marché sont-elles différentes de celles faites avec des appareils plus conventionnels, ou y a t-il une continuité ?

BP : C'est une continuité. D'ailleurs, je disais tout à l'heure que je photographie avec mon Nikkormat comme si je photographiais avec un Instamatic. L'avantage du Nikkormat, c'est le rectangle 24 x 36 cm. Même si j'utilise aussi le format carré et le panoramique, cela reste mon format préféré. L'autre avantage, c'est que lorsque la lumière décline, je peux continuer à faire des photos, alors que c'est impossible avec des petits appareils bon marché. En fait, je pourrais les utiliser, mais je ne veux pas utiliser de flash. Dans les deux cas, le principe de vision est le même : je cherche ce côté "en prise réelle" avec la vie, très direct.

Pour revenir au Nikkormat utilisé comme un Instamatic, j'aimerais raconter une anecdote. Un jour, j'étais avec Pierre Devin chez Marc Trivier. Assis sur une table, ce dernier avait posé sa boîte à côté de lui. Je l'ai prise et j'ai vu son visage dans le viseur. Comme j'avais mon Nikkormat dans l'autre main, je lui ai dit : "Ne bouge pas Marc ..." et je l'ai photographié dans sa boîte. Ce qui est intéressant, ce n'est pas que ce soit un portrait de Marc Trivier ou une de mes photos, mais qu'on le voit dans son appareil, rephotographié par moi. Je trouve que c'est un joli jeu.

YV : C'est ce que je nommerais "de la mise en boîte à la mise en abîme"...

BP : Oui, c'est cela.. Et c'est la raison pour laquelle la photo a été reproduite à la fin du livre de Denis Roche, Le Boîtier de mélancolie ¹.

Cette anecdote me fait aussi penser à des images que j'ai tournées il y a deux ans avec une caméra 8 mm, pendant un voyage en train entre La Ciotat et Lyon². Au départ j'ai filmé, j'ai fait des photos aussi, et puis à un moment donné je me suis amusé avec les deux appareils. C'est-à-dire que j'ai placé le viseur de la caméra derrière le viseur du Nikkormat, et j'ai ainsi filmé dans le train, en 8 mm, dans le Nikkormat. Le résultat est très joli, très intéressant. Récemment, j'ai retrouvé 8 bobines tournées en 8, de quinze à vingt ans. Je ne les ai toujours pas visionnées. Il y a tout le Voyage mexicain en film... Je ne voulais pas alors être photographe, mais cinéaste... Avec le film tourné entre La Ciotat et Lyon, je crois qu'il y a quelque chose de bien à faire, c'est d'en tirer des photogrammes...³ »

(Bernard Plossu, entretien avec Yannick Vigouroux, Paris, 7 octobre 1999)

1 A propos de cette photographie, Denis Roche écrit : "Mon livre s'achève, j'ai devant moi la dernière photo que j'ai choisi d'y mettre. Je voulais qu'elle dise l'étrange instant où l'image se referme, où l'on se dit, où je me dis, que c'en est fini de l'ouverture et du chemin, des phrases qui tournent comme des bobines de fil, de la montée et la descente infinies des sensations, d'une mélodie heureuse dans une brise hors de portée [...] Je voulais que cette photo soit prise dans la porte qu'on referme, qu'elle soit le rai de lumière qui se fait angle aigu. Je voulais qu'elle soit petite, rétrécie comme un regard à demi fermé, qu'elle biaise avec la vérité, qu'elle la prenne par le travers, qu'elle soit à peine penchée sur elle [...]" Denis Roche, Le Boîtier de mélancolie, la photographie en 100 photographies, Paris, Hazan, 1999, p. 208.

2Le film Sur la voie de Hedi Tahar et Bertrand Priour, produit par les films Houppe, 1997.

3 Le livre a été depuis publié : Bernard Plossu, Alain Reinaudo, Train de lumière, Crisnée, Editions Yellow Now, 2000.

« Un langage ordinaire »

2008-04-22T10:12:00.003+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Paris, 2000 » (Lomo LC-A)

« Et il insistait encore [le professeur de R. Carver, John Gardner, animant des ateliers d'écriture] et encore sur la nécessité d'employer un langage ordinaire (je ne vois pas comment le nommer autrement), la langue la plus courante, celle dans laquelle nous parlons tous jours. »

(Raymond Carver, Les Feux, du recueil éponyme de textes, 1984)

« Celle que nous parlons tous les jours », mais à quelle époque, dans quel contexte socio-professionnel, où et quand ?...

« Je n'ai pas un langage pour les dimanches » avais-je lu lycéen dans une exposition consacrée au poète contemporain Gérard le Gouic. Cette phrase est restée gravée dans ma mémoire.

Photo Yannick Vigouroux,
« Paris, nov. 2002 » (Nikon Af-600)

Voilà ce que j'aime en littérature, que j'ai retrouvé chez des auteurs de ma génération tels que Chuck Palahniuk (http://www.chuckpalahniuk.net/) aux États-Unis, qui a comme Carver suivi des cours d'écriture (qui font trop souvent défaut en France !) ; c'est aussi ce que j'aime en photo dans les images si straight et sans apprêt, « brutes » à leur manière, de Walker Evans, Robert Frank et Bernard Plossu, pour ne citer qu'eux, et bien sûr Saul Leiter que je viens de découvrir, exposé récemment à la Fondation Henri Cartier Bresson (Cf. le catalogue d'exposition et le Photo Poche n° 113, éd. Actes Sud, qui lui consacré et que je consulte presque tous les jours depuis deux mois...).

« Autoportrait : 6 x 9 Box Camera » de Marc CC

2008-04-21T08:21:00.001+01:00

Photo Marc CC,
« Autoportrait : 6 x 9 Box Camera »

J'ai proposé à Marc CC d'écrire ici sur sa photo prise d'une fenêtre ; j'aime en effet beaucoup cette vue plongeante et cette main floue, si doucement irréelle, qui semble effleurer délicatement la rambarde sans s'y poser, et désigne ou ouvre une perspective illimité (celle de l'imaginaire ?). Une image simple et directe, d'une grande force, efficacité formelle.

Je l'ai souligné plusieurs fois, le motif de la fenêtre a tellement été « travaillé » par les peintres et les photographes qu'il pourrait être usé jusqu'à la corde.

Or, en découvrant sur Internet une telle image, et, parfois, en prenant mes propres photos, je me dis une fois de plus, que décidément, il n'en est rien : ce sont souvent les thèmes et les motifs qui furent les plus explorés qui méritent que l'on s'y affronte.

C'est une gageure (risque de redite, de citation trop littérale de ce qui fut fait par la passé). Et dans mon cas, cela peut prendre un caractère quasi-obsessionnel que je revendique et qui n'aura échappé à personne...

Nous avons donc évoqué ensemble le sujet :

« Marc CC :

Bonjour,

ravi que la photo vous plaise, elle évoque beaucoup de choses pour moi.

Marc (14 avril 2008). »

« Yannick Vigouroux :

Oui cette image en effet me plait beaucoup... Vous savez que non seulement je travaille beaucoup, depuis environ un an, sur le motif de la fenêtre, mais que je suis l'un des co-fondateurs de la Foto Povera...

à bientôt donc,

bonne journée

(15 avril 2008) »

« M CC :

J'aime votre démarche qui est celle de donner la parole aux photographes...

En ce qui me concerne, je n'ai jamais vraiment aimé commenter mon travail... Lorsque j'écris, que je compose de la musique ou lorsque je prend des photos, j'ai une très grande retenue à présenter mon travail, ce n'est pas une question d'insatisfaction, de travail bâclé, mais de pudeur.

Lorsque l'étape de la présentation est franchie, vient celle de l'explication. Donner un sens à une photo c'est comme voler au spectateur une part de rêve et d'imagination, le mystère est en parti dévoilé. J'aime prendre une œuvre comme elle vient, sans aprioris, me créer tout un univers autour d'elle.

Ce que je peux dire sur cette photo, c'est que le temps ciel était triste, je savais qu'il me restait encore quelques photos à prendre avec mon Goldy, je le voyais sur l'appui de fenêtre et il narguait . Poursuivre mon explication serait déjà trop entrer dans le détail...

J'ai parcouru vos blog j'ai regardé "Hommage à Daniel Boudinet" et j'ai beaucoup aimé les couleurs, encore une fois, je ne veux pas trop en dire, mettre des mots sur des sentiments ce n'est pas chose aisée !

Après avoir regardé vos photos de fenêtres, j'ai eu une soudaine envie de les photographier ! Les fenêtres où l'on distingue à peine l'intérieur de la maison...où l'on sent soit une chaleur intense ou une ambiance glaciale due à l'éclairage des néons.

Pour finir, je pense que le titre seul doit donner une piste au spectateur, le reste est superflu ( lorsqu'il s'agit de simples photos comme la mienne ) .

A bientôt,

Marc (16 avril) »

« YV : Bonjour Marc,

merci pour ces précisions (en fait, vous savez, je trouve que vous en parlez bien et de manière sensible de vos photos...) ; outre quelques lignes de ma main, j'aimerais publier cet échange épistolaire, pour les raisons évoquées au début de cette phrase, dans quelques jours... »

Dites-moi s'il vous plait si vous êtes d'accord ?

A bientôt,

Yannick (17 avril) »

« Marc CC

Bonjour,

j'aurais envie de dire : 100 % OK »

Voilà les e-mails échangés ces derniers jours avec Marc.

S'est mise en place très naturellement, avec je crois spontanéité, l'une de ces correspondances, au sens épistolaire du terme, et dans sa nouvelle forme électronique, entre deux photographes, auxquelles je tiens tant.

Mais c'est une double correspondance, puisqu' il s'agit aussi de « correspondances », « circulations » entre nos deux regards, sensibilités, entre des artistes qui utilisent les mêmes boîtiers archaïques (des box 6x9).

Notons que l'image s'intitule simplement « Autoportrait », indication accompagnée de la catégorie d'appareil utilisée. Nulle mention de lieu ou de date. C'est sur un espace extérieur que s'ouvre cet autoportrait sans visage, ce dernier étant remplacé par la main considérée comme l'ultime prolongement, terminaison du regard (l'autre, la droite, déclenche) : un parti pris peu conventionnel, me semble-t-il...

Un lent travelling photographique (une photo prise à Naples par Pierryl Peytavi)

2008-04-18T09:36:00.004+01:00

Photo Pierryl Peytavi,
« Naples, 2006 »
(Brownie Flash)

Voici l'un des ces « théâtres d'ombre et de lumière » photographiques, déjà évoqués à propos de mes photographies prises justement près de Naples, dans les ruines de Pompéi, en 2003.

L'image est presque monochromatique. Seules quelques pâles traces de couleur, orangées et bleutées, affleurent dans ce théâtre sombre, ou ce décor en mouvement, dans le flou de bougé.

Une fenêtre encore, celle d'un bus.

Cela ressemble à un lent travelling photographique.

L'influence du « Plongeur » de Buno Réquillart sur mes « Littoralités »

2008-04-15T14:13:00.020+01:00

Photos Yannick Vigouroux,
des séries « Littoralités » et « My Magic Box » (box 6x9)

La découverte du « Plongeur » (1974) de Bruno Réquillart, lors de ma scolarité à l'ENSP d'Arles au début dès années 1990, à l'occasion d'un cours d'Arnaud Claass sur l'histoire de la photo, bien avant que je devienne responsable de sa donation fin 1994 au sein de la Mission du Patrimoine photographique (Ministère de Culture France : désormais les tirages sont visibles sur le site de la Médiathèque de l'Architecture et du Patrimoine pour laquelle je travaille désormais : http://www.mediatheque-patrimoine.culture.gouv.fr/fr/archives_photo/index.html), ma considérablement marqué.

Je sais que certains photographes, comme on me l'a parfois confié, se sentent inhibés face au foisonnement des images des autres quand ils travaillent sur celles-ci (conservation, inventaire, diffusion, exposition etc.), et complexés face au talent de ces auteurs...

Ce n'est pas mon cas, même si je l'ai craint au départ : « Suis-je aussi bon qu'eux ?... » Je ne me pose jamais la question. Je produit mes images, c'est tout et celles que je juge dignes de l'être, je tente de les rendre publiques...

Donc, comme je l'avais déjà écrit ici, Bruno Réquillart m'a donc énormément influencé (CF. http://fotopovera.blogspot.com/2008/03/linfluence-de-bruno-rquillart-sur-mes.html).

Le Plongeur est un instantané d'une grande audace formelle, structuré de manière très rigoureuse (à tel point qu'il ressemble à un collage), et a laissé des traces évidentes dans ma manière de cadrer. Surtout lorsque je « coupe » en deux l'image, et comme en attestent ces quatre photos des séries « Littoralités » et « My magic Box », qui ont toutes été prises avec une box 6 x 9.

A propos d'un diptyque (photos de rue au Lomo LC-A)

2008-04-10T08:11:00.003+01:00

Photos Yannick Vigouroux,
« Paris, 2000 », de la série « Fascination Street
(Diptyque / Lomo LC-A)

Deux scènes de rue « siamoises », en apparence une seule et même image, avec au centre, manteau sombre d'une personne photographiée de dos, que j'aurais décidé de couper en deux pour créer un blanc, un silence visuel.

En réalité, il n'en est rien puisqu'il s'agit de deux prises de vues distinctes que j'ai décidé de rapprocher pour qu'elles dialoguent entre elles. Pour l'anecdote j'avais au départ placée celle de gauche à droite et inversement, Christophe a eu l'idée pertinente de faire le contraire.

Voilà la genèse du diptyque, qui n'est pas, dans son élaboration, ce qu'il semble être au final.

Comme je l'ai souvent fait, j'ai dans les deux cas déclenché sans viser, à bout de bras,avec une légère contre-plongé, l'appareil-photo constituant la terminaison nerveuse de mon bras tendu comme le serait un câble d'acier, et du reste de mon corps – et pas seulement de mon regard.

PS : très critique parfois dans mes écrits à l'égard de la « Lomographie », phénomène de mode souvent, démarche atypique et sincère parfois - je n'ai pas changé d'avis mais le phénomène prenant de l'ampleur, de vrais talents se sont emparés du programme minimaliste : « Don't think. Just shoot! » -, je recommande aux lecteurs de découvrir, entre autres, les images de Catherine Merdy :

http://catherine.merdy.free.fr/

« Fragments quotidiens » (série de Polaroïds 600 noir et blanc)

2008-04-08T10:35:00.005+01:00

Photos Yannick Vigouroux,
« Anne-marie, Paris, 1999 »,
de la série « Fragments quotidiens »
( 4 Polaroïds 600 noir et blanc)

Longtemps, au début des années 1990, alors que j'étais encore étudiant à l'ENSP d'Arles, j'ai rêvé d'un film Polaroïd amateur en noir et blanc, qui apparut finalement durant cette décennie, et disparut, à ma connaissance, très vite.

Un minuscule carré rempli de noirs froids, aux profondeurs bleutées, brillantes lisses et insondables.

Pendant de nombreuses années de ma vie, j'ai eu le sentiment de ne pouvoir écrire, mais aussi « écrire avec la lumière » (faire des photos) que des choses courtes, qui ne me prennent que peu de temps, et ne me coûtent que peu d'argent. Comme le confie le novelliste américain Raymond Carver dans Les Feux.

Faire des Polaroïds, c'était pour moi comme écrire une nouvelles de 2, 3 ou 4 ou 6 pages maximum. Et non élaborer une série composée de nombreux tirages de grand format, difficile à transporter, financer etc. Des micro-fictions intimes. Simples, dépouillées formellement, et efficaces.

Le film était certes coûteux (en apparence). Mais, dans l'investissement non déraisonnable de départ, pouvait très vite et facilement se suffire à lui-même, monté dans son châssis ou directement fixé au mur lors d'une exposition, comme ce fut tant l'usage dans les années 1980.

Cela explique, entre autres, ma prédilection pour le Polaroïd, avant la salutaire apparition du numérique : je pouvais faire des images sans posséder l'espace du laboratoire, sans boîtier coûteux ; à l' « arrachée », à la « va comme je te pousse », prenant peu de place, faciles à stocker pour un « nomade » (malgré lui). Je ne cessais en effet de déménager mes affaires de Vincennes où j'accomplissais mon Service national en tant que photographe, le logement exigu d'un ami qui m'hébergeait ponctuellement dans son logement exigu du XVIIIe arr. de Paris, puis la chambre de bonne encore plus exigüe que j'occupais par la suite dans le XIIIe arr. Accumuler des Polaroïds qui tenaient dans les petites boîtes d'emballages de leurs châssis était bien pratique.

Est née, de ces circonstances notamment , et de ce parti pris d'économie de moyens et d'espace, la série « Fragments intimes », cette fois dans le XIIe arr. Et avec la complicité d'Anne-Marie.

Cette série recourt souvent, mais pas exclusivement, au film Polaroïd 600 noir et blanc, et au principe, mais pas exclusivement non plus, du polyptyque, qui ancre d'emblée les images, que le déroulement soit ou non séquentiel (comme au cinéma ou dans la bande-dessinée), dans une logique narrative, du fait de la « contamination positive » qu'elles entrainent entre elles...

Tels que je les ai pensés dans leur agencement, et à cause des angles de prises de vue déformants souvent adoptés (plongées et contre-plongées etc.), les polyptyques rendent compte du quotidien sous la forme de diverses aberrations perspectivistes, introduisant dans les situations ordinaires une atmosphère que j'espère fortement onirique.

J'ai eu récemment recourt à nouveau à la même logique, désormais avec un appareil numérique, pour réaliser les diptyques des « Amoureux du métro parisien » (http://fotopovera.blogspot.com/2008/03/les-amoureux-du-mtro-parisien-est-ce-de.html) et l'autre diptyque publié dans l'autre blog (http://yvigouroux.blogspot.com/2008/04/plaidoyer-pour-le-mtro-doris-lessing.html).

« In the Eye of the Beholder » (Beauty is) de Julie Vola

2008-04-07T14:56:00.008+01:00

Photo Julie Vola,
de la série « In the Eye of the Beholder (Beauty is) »
(Holga)

Se référant explicitement à la belle introduction de Nuage / Soleil du photographe Bernard Plossu (éditions Marval, 1994), rédigée par le psychanalyste Serge Tisseron, qui oppose notamment l' « image sensationnelle » si prisée par l'amateur, à l' « image-sensation » prisée par la majorité des acteurs de la Foto Povera, Julie Vola déclare :

« Il y a quelque chose de l'ordre de l'évocation, comme un souvenir vague mais familier, une sensation d'être, dans la conscience d'une connaissance indicible.

Ma perception de l'image que notre société donne aujourd'hui du paysage est celle d'un espace grandiose, net et précis et presque intouchable, c'est une façon de l'objectiver, d'être "devant" le monde, j'essaye avec mes images de trouver le moyen d'être "dans"de, de créer des images qui sont le prolongement du sentiment de participation au monde, "ce moment de joie et d'émotion intense qu'accompagne la sensation fugitive de beauté ou de transparence du monde." »

Ce sentiment « fugitif de beauté ou de transparence », se caractérise formellement dans les photos de Julie Volta par le côté à la fois figé et fluide de l'enregistrement ; la scène est nette, mais du fait de la qualité médiocre de l'optique en plastique, elle ne l'est que partiellement, car le centre est généralement plus « piqué » que le » reste de l'image dont la précision se dilue progressivement dans le vignettage des bords du carré.

Des caractéristiques que l'on retrouve notamment dans les photos prises avec un semblable appareil-jouet, par Olivier Péridy, Didier Cholodnicki et Daniel Challe qui vient de publier un nouveau livre, évoquer dans mon texte précédent, Fuga, aux éditions Filigrannes.

http://www.julievola.com

Parution de « Fuga » de Daniel Challe (éditions Filigranes)

2008-04-07T10:44:00.004+01:00

Photo Daniel Challe,
« Marilyne, Mané Braz, Bretagne, 2005 »
(Diana / Couverture du livre)

Daniel Challe, qui vient de m'envoyer son très beau livre Fuga, m'écrit très justement :

« Je savais que tu serais un des regardeurs/lecteurs les plus attentifs de cet ouvrage qui fait suite au dernier volet du cercle (La caméra-jouet) et explore maintenant le monde dans un cercle plus lointain que mes territoires proches. »

Une passion commune nous lie pour ces appareils de poche, ces appareils bricolés qui sont "nos petites machines à poésie" (l'expression est de Nancy Rexroth, NDLA) et peut-être aussi nos petites machines de résistance face au triste monde qu'on nous offre et qu'on nous promet......C'est aussi le sens du texte qui accompagne Fuga, qui revendique sans doute la poursuite d'une certaine révolte adolescente que le Rock a parfois exalté.... »

Photos Daniel Challe,
« Gladys, Rome, Italie, 2006 / Naples, Italie, 2006 »
(Diana)

Des « machines à poésie » qui seraient aussi des « machines de résistance » : je partage entièrement ce point de vue.

Remarquablement imprimé et mis en page sobrement (quelques variations infimes de formats, de temps en temps des pages blanches comme des silences musicaux, des respirations), le livre propose une belle succession d'images carrées intimistes prises récemment, depuis 2005, dans le cadre du quotidien ou de voyages, à Naples (2006), ou, encore plus récemment, en Inde (2007).

Photo Daniel Challe,
« Gladys, Seynod, Haute-Savoie, 2006 » (Diana)

L'une d'entre elles montre les mains d'une fillette qui dirige une bougie allumée vers une cabane à oiseaux qui ressemble beaucoup à un sténopé ; la flamme évoque autant le bec jaune d'un volatile que ce soleil qui permet d' « écrire avec la lumière ». L'image revendique, comme beaucoup d'autres, l'ancrage du regard dans l'imaginaire de l'enfance.

J'ai beaucoup aimé aussi le texte du photographe qui conclut l'ouvrage, rédigé dans un style aussi direct, simple et fluide, sans « effet », que ses images. Ce texte évoque une influence que je revendique depuis toujours, systématiquement éludée par les histoires de la photographie : celle d'une certaine musique rock, punk et Cold-Wave milieu des années 1970 ainsi que celui des années 1980, ainsi que, visuellement, leurs pochettes (celles de Joy Division, de The Cure : les visages rougeoyants et flouttés des membres du groupes sur la pochette Pornography (1982) par exemple ; en général toutes les pochettes et les livrets du Label 4AD qui publia, notamment les Cocteau Twins, Dead Can Dance, les Pixies aussi... CF. http://www.4ad.com/). J'ai récemment parlé de cela dans le contexte d'interventions autour de mon livre Naufragée (éd. Thierry Magnier, 2007) dans un entretien (http://www.ville-villepinte.fr/t_zoom.php3?id_rubrique=1669)

Daniel écrit ainsi, à la fin du livre (« La Physique du monde ») :

« L'attraction de cette énergie Rock'n Roll

qui me chavire en ces années 70 est noire et blanche

Les images découpent le son

comme le Leica de Robert Frank

découpe la rue et les visages

[...]

Sur les pochettes des disques

les photographies devinrent floues

évanescentes. »

Certes, cette musique est comparée à la façon de cadrer de Robert Frank, qui a tant influencé les acteurs de la Foto Povera, mais l'influence de la musique et des visuels des pochettes de disques a souvent précédé la découverte des oeuvres de photographes...

Fuga de Daniel Challe (photographies et textes), 165 x 220, 84 pages, 46 photographies en couleur, éditions Filigranes, 25 euros.

Http://filigranes.revue.com/

L'exposition « Daniel Challe, Fuga et autres suites » est présentée du 22 mars au 10 mai 2008 au Musée de La Roche-sur-Yon (Rue Jean-Jaurès, 85 000 La Roche-sur-Yon, tél. 02 51 47 48 35, www.ville-larochesuryon.fr ; ouvert du mardi au samedi de 13 h à 18 h), accompagnée d'un Workshop : « Daniel Challe, la caméra-jouet », École d'Art, 14 et 15 mai 2008.

L'exposition « Daniel Challe, Journal d'Espagne et autre journaux», sera présenté dans la même ville à la Médiathèque Benjamin Rabier, du 17 mai au 30 août 2008.

« Quand le téléphone sonna... »

2008-04-02T13:50:00.003+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Le livre, Caen [Le Chemin Vert], mars 2008 »
(Sténopé numérique / Digital Pinhole)

« Quand le téléphone sonna, j'étais en train de me laver les dents. »

(Antonio Tabucchi, Nocturne indien, 1984)

Dans sa traduction française, p. 52 (éd. 10/18), la phrase apparaît au milieu du récit, alors que chez Raymond Carver, elle constitue l'amorce fondamentale d'une nouvelle, comme il l'a reconnu dans Les Feux, dès les premières lignes :

« Il était en train de passer l'aspirateur lorsque le téléphone sonna.»

Bien sûr, l'action, la proposition sont inversées, mais quels airs (littéraire, en tenant compte du décalage par rapport à la version originale du à la traduction) de ressemblance !

Antonio Tabucchi a-t-il lu Raymond Carver ? (ce que semble confirmer la situation très prosaïque du personnage inconfortablement obligé d'ouvrir ensuite la porte de sa chambre d'hôtel, la brosse à dents entre les dents...).

Le quotidien, dans ce qu'il a de plus banal : voilà justement l'un des sujets de prédilection des adeptes de la Foto Povera.

Et si le monde extérieur n'était qu'une projection mentale ?

2008-04-02T11:01:00.005+01:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Blue Bob, Caen, mars 2030 »
(sténopé numérique / Digital pinhole)

Cette photo (une capture d'écran TV) est un petit hommage à l'univers cinématographique et à l'album éponyme (2003) de David Lynch...

Et si le monde extérieur n'était qu'une projection mentale ? : je sais que je ne suis pas le premier à formuler cette hypothèse, mais elle mérite le détour.

J'éprouve de plus en plus de difficultés à photographier ce qui m'entoure, et pourtant, curieusement, j'ai l'impression d'avoir de plus en plus d'aisance à écrire et à projeter, au sens figuré mais aussi littéral, ce que je ressens.

Dessin Yannick Vigouroux,
« Blue Self-Portrait, Caen [Chemin Vert],
28 mars 2008 »

Et cela passe de plus ne plus souvent par le dessin ces dernières semaines. Maladroit c'est vrai, souvent, mais plus juste parfois en tant que prolongement de mon cerveau et de mon corps ?...

http://www.davidlynch.com/

Les tours et détours, mauvais-tours des circuits touristiques (à propos d'une « Littoralité » tunisienne)

2008-03-20T09:20:00.009Z

Photo Yannick Vigouroux,
« Tunisie, 2000 »,
de la série « Littoralités » (Box 6x9)

Ce fut, lors de notre séjour à Djerba , en Tunisie, en 1999, le seul parcours en bus « touristique » auquel Anne-Marie et moi, ainsi que sa mère, consentîmes. Peut-être avons-nous participé à un ou deux autres parcours, je ne sais plus exactement. Mais celui-là m'a tout particulièrement marqué.

L'on nous avait promis, entre autres, de nous montrer la célèbre et millénaire « voie romaine » ; mais qu'y avait-il à voir en réalité ?...

Rien, sinon une route goudronnée, identique à toutes les routes goudronnées du monde. Plate et ennuyeuse.

En revanche la plage et la lumière étaient magnifiques. Comment résister à la tentation de photographier cela ?

Je quittais donc rapidement et discrètement le groupe qui lui semblait vraiment captivé sinon fasciné (mais quand les choses sont « organisées » et « programmées » elles sont forcément intéressantes non ?) , et tournant le dos à ce qui était le but « sacro-saint » de ce voyage, ne me sentant décidément pas une âme d'archéologue, en tout cas pas d' « archéologue du bitume », et manquant peut-être ce jour-là d'imagination, je découvrais ce mur recouvert d'une fresque de dauphins, pointant vers la mer.

Je me suis souvent dit, depuis que j'ai commencé à photographier à la fin des années 1980, qu'il serait peut-être judicieux de s'intéresser systématiquement, après s'être concentré sur le sujet de la prise de vue, à ce qui existait derrière. Je ne l'ai jamais fait de manière systématique, mais parfois oui... Surtout lorsque le sujet principal, comme ce fut le cas alors, ne valait vraiment pas, selon moi, le détour.

Je l'ai donc photographié, ce muret que les autres ignoraient, avec ma box (la route pas du tout), et j'ignore toujours quelle valeur il possède ou non dans l'histoire de l'art et de l'humanité. Peut-être aucune ?

Pour un adepte de la Foto Povera cela importe peu, même si la visite et les photographies que j'ai prises avec le même appareil du site de Pompéi (en 2003) m'a beaucoup ému, tout comme celles d'Herculanum plus récemment (en 2007).

Photo Yannick Vigouroux,« Pompéi , 2003,
de la série « Littoralités » (Box 6x9)

Mais le photographe n'est dans ces cas-là pas confronté à de prosaïques et ennuyeux chemins trop balisés... et bitumés ! Il découvre alors un fascinant théâtre d'ombres et de lumières, rencontre des murs bien conservés, restaurés, ou au contraire lépreux, très dégradés, à la limite de l'effondrement et soutenus par d'épaisses attelles de bois, auxquels il est difficile de rester insensible...

Voilà ce que j'écrivais à ce sujet l'an dernier :

« J’ai abordé Pompéi comme un théâtre d’ombres mentales, une construction fantasmatique. Paradoxalement, c’est la destruction de la ville qui a sauvé celle-ci de l’oubli. Les laves du Vésuve l’ont embaumée ; elle est en elle-même une vaste momie comme les moulages des corps contorsionnés tentant en vain de se protéger des fumées asphyxiantes. Mais des moulages en creux, car c’est dans le vide laissés dans le sol par les corps que les archéologues coulent du plâtre pour sauver les fantômes des corps. Pratique troublante de révélation d’une présence par son absence, remarquablement évoquée par Roberto Rossellini à la fin du Voyage en Italie (1954).

Dans une série de cartes postales vendues à la sortie du site, la légende italienne d’une photo, « Calchi di fuggiaschi in un orto », est traduite dans un français très approximatif par « Calques de fugitifs dans un jardin ». J’ai justement retrouvé, du fait du coup de flash mal synchronisé au temps de pause, ce « calque » humain, cette transparence fantomatique – certaines personnes apparaissent deux fois, se dédoublent – dans certaines photos de rue prises à Naples avec mon appareil Holga… »

La nouvelle exposition de Laurent Chardon

2008-03-19T13:35:00.006Z

Photo Laurent Chardon,
« Sans titre, janvier 2002,
de la série "Tangente" » (Holga)

« "Tangente" a la forme d’un carnet de voyage. C’est un parcours en train, au départ de Paris, qui a pour unique destination Oulan-Bator, la capitale mongole.

En train, parce que je privilégie les transports terrestres et maritimes. Ils permettent l’indispensable lenteur nécessaire au voyage.

Je souhaitais me rendre à Oulan-Bator pour découvrir l'environnement urbain d’un pays avant tout connu pour ses paysages de steppe... »

(Laurent Chardon)

« Les amoureux du métro parisien » (est-ce de la Foto Povera ?)

2008-03-19T10:55:00.015Z

Photo Yannick Vigouroux,
« Les amoureux du métro parisien,
L. 6, 18 septembre 2008 »

(Polaroïd numérique i733)

Pour prendre ces deux images, je n'ai pas utilisé de toy-camera, puisque j'ai utilisé mon Polaroïd numérique, et pourtant, une fois de plus, le résultat formel s'apparente fortement à de la Foto Povera : le flou, le contraste prononcé, rappellent fortement ceux des photos en argentiques prises avec un Lomo L-CA au début des années 2000.

La série « Underground » (Lomo L-CA) et Walker Evans

2008-03-18T13:44:00.002Z

Photo Yannick Vigouroux,
« Paris, 2000 », de la série « Underground »
(Lomo L-CA)

Walker Evans, dans les années 1930, fut le premier à prendre des photos « volées » dans le métro new-yorkais (un déclencheur souple relié à a sa main courait sous sa manche, jusqu'à un minuscule appareil-photo dissimulé dans son imperméable troué au niveau du ventre.

Les images ne furent rendues publiques et publiées que trente plus tard, parce que les personnes (hélas) étaient parfois décédées, ou si elles étaient toujours en vie, avaient physiquement beaucoup changé.

Lorsque j'ai commencé à prendre ces photos au Lomo dans le métro parisien au début des années 2000, j'avais en tête les innombrables images d'Evans. Selon moi, sa démarche n'était pas du tout assimilable à du voyeurisme douteux, à une transgression illégitime de la sphère du privé (en plus le métro est un lieu public...). Au contraire, l'Américain rendait justice et hommage à « L'Homme du commun à l'ouvrage », pour reprendre l'expression chère à Jean Dubuffet.

Ne pas confondre l'attitude des paparazzi traquant les célébrités, et celle des photographes ne s'intéressant qu'à « L'homme du commun » et évoquant son quotidien ! Le droit à l'image, s'il était mieux compris, mettrait fin à l'insipide galerie de portraits hiératiques que nous impose trop souvent l'art contemporain...

« Quelle heure est-il ? », la suite (Véronique Guerrin)

2008-03-18T11:24:00.002Z

Photo Remi Guerrin,
« Liverpool, cours de Français (collège de John Lennon), 1999 »
(sténopé / pinhole & tirage au charbon / C-Print)

L'une des photos de Remi qui a inspiré le texte de Véronique Guerrin...

« Quelle heure est-il ? » (Véronique Guerrin)

2008-03-17T14:33:00.005Z

Photo Remi Guerrin,
« Liverpool, 1998 »
(Sténopé Pinhole & tirage charbon / C-Print)

« Un arbre solitaire dans la cour grise. Je traverse cette cour… Salle de classe aux cartables éparpillés. Les bureaux portent en clarté des triangles chauds. Quelques silhouettes se découpent devant la fenêtre. Des coquillages et du sable loin d’ici. Des gouttes de pluie dans la ville. Des graffitis sur un sac, des dessins qui se reflètent dans la vitre, des mots griffonnés sur un mur…

Le soleil a envahi toute la surface de la table. Une chaise devient de neige éclatante. Les feuilles de dessin entourent la salle de classe. Les rideaux sont baissés. Nous voyons les tuiles des toits, quelques arbres, quelques taches blanches qui se détachent de la grisaille. Je n’entends pas les paroles des élèves… Je saisis un mouvement , une main qui pose son crayon et suspend son geste.

J’inscrirai sur la feuille de papier le panorama qui s’impose à mes yeux. Chaque jour, je le vois, je le contemple. Mais quel est le regard que je pose sur lui ?

Le paysage s’éloigne et se rapproche de moi. Au cours de la journée qui s’écoule, au long des méandres de ma mémoire, chaque fois que je m’arrête et l’observe, quelque chose a changé.

Le sapin sur la gauche, triangulaire et sombre ; Un bâtiment avec deux portes ? deux fenêtres blanches ? qui se dressent verticales et austères.

Les buissons serrés s’alignent à l’horizontal. Une grille lance sur le sol des ombres qui dansent, des arabesques diaphanes et légères qui étonnent.

J’ aimerai accrocher mon vélo à cette barrière pour que les dessins des roues dansent aussi sur ce sol ondoyant. Des miettes de gomme, des poussières de crayon gris.

Un nuage blanc indéfini. Un nuage sombre aux formes étranges. Les toits s’alignent , pointus, se perdent dans l’horizon de la cité.

J’entends un klaxon de voiture, une sonnette de bicyclette, un rire dans le couloir. Dans la cour du collège, les élèves se rassemblent par petits groupes.

« Quelle heure est-il ? « - Dead – Ghetto - , des mots gravés comme des signes de reconnaissance. Salle de classe à la vitre quadrillée. Entre les feuilles scotchées, quelques intervalles vides où l’on entrevoit des visages curieux, attentifs, observateurs ou rêveurs. L’image devient un mot. Le mot est une image.

De fenêtre en fenêtre, chaque chose vue se sépare de moi ; le rythme que je capte n’est plus le mien mais celui de tous autour de moi.

Perspectives d’ombres chinoises aux doigts dénoués, deux lunes qui se croisent comme un sigle, nouvelle lettre d’un alphabet imaginaire. Un mur gris… Plus loin, un immeuble aux fenêtres fermées. Traverser la route, attendre, regarder ces deux lunes blanches comme un mot inachevé et tracer leurs contours avec mon index… Je crois que si je regarde cette image à l’envers, j’y verrai comme dans une flaque d’eau.

Au loin, dans le lointain, bientôt on entendra la sonnerie… Et si tout ceci n’était qu’un jeu, la grille ouverte ou fermée, le stylo qui n’a plus d’encre, le crayon brisé, le feutre sur le tee-shirt… Et si tout ceci n’était que rite d’enfance ? marcher, photographier, se tenir immobile devant le sténopé. Poser, se reposer…

Une perspective ondoyante et patiente transforme l’espace…. Il pleuvine sur le jardin des images… Il est difficile d’apprendre à s’immobiliser sans se figer. Les dessins, les mots, les rêves des élèves appartiennent à la mémoire du vent ;

Salle de classe à la fraîcheur blanche. Sur le tableau noir s’inscrit en lettres blanches :

"Il est six heures" »

(Véronique Guerrin)

http://www.flickr.com/photos/remiguerrin/

Réseau espaces-rencontres avec l'oeuvre d'Art ( EROA )

Exposition Remi Guerrin et Atelier Sténopé
EROA Collège Pierre Mendès France
19, rue de Soissons
59200 Tourcoing
Du 17 mars au 4 avril 2008

Les histoires de bleu de la Foto Povera (argentiques et numériques)

2008-03-17T12:17:00.009Z

Photo Remi Guerrin,
« Le bonheur retrouvé, Hué, Vietnam, 2006 »
(Sténopé / Pinhole & tirage charbon bleu / Blue C-Print)

« La question que l'on me pose souvent : pourquoi avoir choisi le bleu ? D'abord, il n' y a rien, ensuite il y a un rien profond, puis une profondeur bleue... »

(Yves Klein)

Bien sûr, cette citation relative à ma couleur préférée me fait penser aux cyanotypes et tirage au charbon bleus de mon ami Remi Guerrin, cette tonalité qui unifie ses séries, mais aussi à ses tirages au charbon bleus (et ce n'est plus tout à fait le même bleu...).

Photo Bruno Debon, « Sans titre, 2006 » (Photo prise au tél. mobile)

Et puis il y a ce recueil de poésie, sans aucun doute mon préféré, Une histoire de bleu de Jean-Michel Maulpoix (1994), qui écrit :

« Écouter ce bruit vide n'est que vivre et se tenir en soi : habiter sa propre pâleur, avec ce curieux désir de couleurs qui démange, qui agace, ce goût de sucre que laissent dans la bouche certains mots. [...]

Là.

A portée de main, croirait-on.

Là, à peu de choses près. Pourtant, on ne voit rien : le coeur et la tête restent vides. On a du bleu auprès de soi, on le sent au-dedans, mais on n'en peut rien faire, rien prendre ni rien dire. On s'accommode jour après jour de cette absence. »

Yannick Vigouroux, « Mascarade # 41 d'Anne-Marie, 2004
(Holga & tirage charbon bleu / Blue C-Print)

J'ai toujours eu le sentiment d'avoir du bleu en moi, ce vide difficile à décrire qui me remplit paradoxalement.

Aussi, quelle fut ma joie lorsque, demandant à Remi de tirer quelques de mes « Mascarades », j'ai pu, après plusieurs tests, choisir mon bleu, un bleu plutôt foncé, qui donne je crois une belle unité, comme dans les séries de Remi, à ces images de format 6 x 6 cm tirées par contact.

Foto Povera est en guerre ?

2008-03-11T11:55:00.010Z

Photos Philippe Calandre,
« Sans titre, 2008 »,
de la série « En attendant Rocco »
(Sténopés & Polaroïds 54, 4x5 inches)

Pour ma part, je le suis, on le sait, dans mes articles en tout cas, contre l'ultra-libéralisme cynique qui régit aujourd'hui nos vies.

Plusieurs heures de pose pour une enregistrer minuscule nature-morte (des soldats en plastique) : malgré sa persévérance, Philippe a fini par renoncer à cette série !...

Aux photos de nuit aussi, m'a-t-il confié, techniquement impossible ou nécessitant trop de patience lorsqu'on utilise un sténopé en bois, préfabriqué tel que le sien (le coûteux Robert & Rigby) et le film Polaroïd de grand format et surtout de faible sensibilité (100 asa) qu'il utilise...

La série s'intitule « En attendant Rocco » parce que, au cours de son récent séjour à Taïwan, Philippe a aussi photographié des petites poupées érotiques.

Est-ce la guerre du sexe ? Quelle est la part de sexualité dans la guerre (prouver sa virilité, notamment...) ?

C'est en tout cas dans un trouble microcosme que semblent évoluer ses soldats, un théâtre des opérations miniaturisé et enveloppé de nappes d'ombres interlopes, de flous ambigus. Le contexte est, comme souvent dans les jeux vidéos, celui d'une usine qui semble désaffectée, un univers qu'affectionne particulièrement l'artiste. La menace semble palpable.

Des photos qui ressemblent à des « brouillons » de photo-reportages (tous les détails des opérations auraient été anticipés au millimètre et au nombre de morts, de blessés près), des maquettes de conflits (comme celles que l'on découvre dans les musées commémorant une guerre) ; à de lointaines images mentales des innombrables images de guerre que nous avons vues ces dernières années à la télévision et dans la presse (Ex-Yougoslavie, Irak..., mais aussi les innombrables documentaires sur la Première et la Seconde Guerre mondiale).

www.philippecalandre.com/

« Ce gouffre à vitesse lente » (Anne-Marie Garat)

2008-03-07T13:11:00.004Z

Photo Yannick Vigouroux,
« Châteaudouble, Var, juillet 2006 »,
de la série « My magic Box » (box 6x9)

Un fragment de phrase dont le rythme, les sonorités me fascinent, et me semblent si proches de ce que j'éprouve souvent lorsque je prend une photo :

« [...] les heures coulaient dans ce gouffre à vitesse lente. »

(Anne-Marie Garat, Les Mal Famées, 2000)

Les « Littoralités » : l'influence de Bruno Réquillart

2008-03-06T09:20:00.007Z

Photo Yannick Vigouroux,
« Venise, sept. 1999 »,
de la série « Littoralités » (box 6x9)

J'ai souvent évoqué l'influence de Bernard Plossu sur mes photos. Je voue aussi à l'oeuvre de Bruno Réquillart une grande admiration, et une éprouve une amitié indéfectible pour l'être humain généreux, intègre et droit que j'ai la chance de connaître depuis 1994 (date à laquelle j'ai commencé à travailler sur sa donation pour le ministère de la Culture français).

Si ce sont les photographies de la lagune de Venise (1977) qui m'ont le plus marqué, mais aussi sa célèbre photographie du « Plongeur », réalisée en 1974 (Cf. mon article sur cette photo dans http://mucri-photographie.univ-paris1.fr/article.php?id=11 ), c'est en réalité une photo prise au Portugal en 1979 (« Sines, 1979 ») qui a consciemment influencé celle que j'ai prise d'un muret vénitien en 1999... J'ai très précisément pensé à cette image en déclenchant ma box 6x9. Et ai envoyé quelques jours plus tard une carte postale de la lagune à Bruno, en guise d'hommage et de clin d'oeil.

Le travail de Bruno, s'il appartient, au même titre que celui de Bernard Plossu, adepte on le sait des toys-cameras, à ce que le regretté critique Bernard Lamarche-Vadel nomma « L'Atelier français », il ne relève en aucun cas du courant de la Foto Povera. Il n'en demeure pas moins que la proximité des intentions, des préoccupations formelles, sont je crois, entre nos deux images, indéniables...

On peut retrouver les photos de Venise, du « Plongeur » et celle de « Sines » (sous la cote 9130t0031 ) dans la visite guidée que j'ai rédigée pour les Archives photographiques de la Médiathèque de l'Architecture et du Patrimoine, dont le site est :
http://www.mediatheque-patrimoine.culture.gouv.fr/fr/archives_photo/index.html

Une Foto Povera volcanique ?

2008-02-29T10:46:00.007Z

Photo Véronique Guerrin,
« Installation d' Erik Chevalier, Ferme Saint-Sauveur,
Villeneuve d'Ascq, février 2008 »
(Polaroïd i733)

Chère Véronique, j'intègre bien volontiers ici ce texte que tu viens de m'envoyer, d'autant plus pertinent que je viens de télécharger sur le blog une photo de volcan (quelle coïncidence !) de Christophe Mauberret...

« Voici que ces images de "pyromane photographe" me convient à penser au travail d' Erik Chevalier : "La voiture qui flambe". J'aime ces images de C. Planque car cette combustion interne, sans scories, est effectivement un embrasement. Et la voiture qui flambe d' Erik est une autre forme d'embrasement. Le feu nous deviendrait-il indispensable en ces jours d'hiver terne ? manque de soleil, de chaleur... Le feu intérieur qui couve au plus profond de nous est un volcan qui irradie parfois notre quotidien. »

J'éprouve, pour ma part, une grande nostalgie de mon escalade du Vésuve en septembre 2007, et des photos que j' y ai réalisé au Diana.

L' installation d'Erik Chevalier « Feu sacré - Force vive », en plein cœur de la Ferme Saint Sauveur, sera encore visible, en nocturne cette semaine : mardi 4 mars 2008 de 18 h à 22 h ; mercredi 5 mars de 18 h à 21 ; jeudi Jeudi 6 mars de 18 h à 21h

Exposition des œuvres de quatre artistes

Belinda ANNALORO, installation

Erik CHEVALIER, vidéo installation

Audrey FINET, installation

Delphine MAZUR, dessin, installation

Exposition visible jusqu’au vendredi 7 mars 2008.

Atelier 2 – arts plastiques, Ferme Saint-Sauveur, Avenue du Bois, 59650 Villeneuve d’Ascq.

Horaires d’ouverture :

Du lundi au vendredi de 9 h à 12 h et de 14 h à 18 h (le vendredi jusque 17 h) - Samedi de 9 h à 12 h et de 14 h à 15 h 30. (hors vacances scolaires)

ATELIER 2 – Arts Plastiques

Ferme Saint Sauveur, avenue du Bois, BP 30102, 59652 Villeneuve d’Ascq cedex.

Tél : 03.20.05.48.91. Mail : atelier2@nordnet.fr www.atelier-2.com

Les nouvelles photographies de « Voigtland » (Christophe Mauberret)

2008-02-29T09:54:00.009Z

Photo Christophe Mauberret,
« Le Volcan, 2007 »
de la série Voigtland (Voigtlander Bessa 66)

Deux structures massives, l'une rocheuse et l'autre métallique, qui ont en commun d'être dangereuses en puissance : un volcan toujours actif et un avion de l'Air Force. Comme les autres images de la série « Voigtland » exposée à plusieurs reprises dans Foto Povera (1 et 3), ces images ont été prises avec un vieil appareil Voigtlander à soufflet.

Alors que je terminais mon DEA d'Histoire de l'art (Université Paris-1) consacré aux « Pratiques archaïsantes dans la photographie contemporaine », j'avais il y a dix ans, demandé à Christophe si ces images relevaient, lui, d'une pratique « archaïsante » ou « primitiviste ». Voici un extrait de la longue réponse qu'il me fit par courrier :

« [...] Ce travail émergeant relève-t-il d'une "pratique primitiviste " telle que tu en ébauches la définition dans ta lettre ?

Tu sais, car nous en avons déjà discuté, que les photos sont faites avec un Voigtlander Bessa 66. Appartient-il à la catégorie des boîtiers amateurs, si l'on considère que si la technologie a évolué, il représentait le fin du fin (qualité allemande oblige) pour son époque, les années 1950.

Certes la mise au point n'est ni réflex, ni télémétrique et il n' y a pas de mesure de la lumière. Mais cela m'impose de convoquer un minimum de pratique photographique (profondeur de champ, technologie rapportée comme la cellule à main). Avouons que le bilan est ambigu. Quant à l'image finale, sa qualité plastique (espérée) résulte grandement de la haute technologie du laboratoire qui réalise le tirage.

Comme tu l'a déjà remarqué, les images de cette série se caractérisent par une ambivalence non résolue entre définition correcte et immixtion de zones de flou dues à la qualité dépassée de l'optique. Pour abréger, disons que le résultat se juge à l'aune du spatio-temporel. Le grand bénéfice pour moi est de créer un apparentement des images qui désormais font famille.

J'ajouterai, au fil de la plume et de ma réflexion, qu'une pratique primitiviste, au côté de la technique, se révèle dans le geste opératoire. Et c'est peut-être là que réside mon primitivisme personnel car je m'abstiens de tout "effort photographique » dans l'instant de la prise de vue. Se normalise le réel par la constance de ma position.

La chose (le monde) advient, je la photographie – c'est tout. »

Photo Christophe Mauberret,
« Le Héros, 2007 »
de la série Voigtland (Voigtlander Bessa 66)

Voici le nouveau texte que m'a fait parvenir Christophe, à ma demande, ce 29 février 2008 :

« S'il est aisé de trouver toute une littérature sur la question de la "reproductibilité" inhérente à la photographie, la notion d'agrandissement, qui participe autant de la spécificité du médium a suscité bien moins de commentaires. Au point, qu'ayant eu récemment à chercher la date de l'invention de l'agrandisseur, aucun des livres « classiques » sur la photographie ne m'a été d'un quelconque secours.

Lorsqu'il m'a fallu arrêter un format de tirage pour la série "Voigtland", j'ai choisi un format assez imposant : 150 x 150 cm. L'autre parti-pris était de montrer les images, certes encadrées, mais sans qu'aucune vitre ou plexiglas ne s'interpose entre l'image et le spectateur.

D'un coté, toute l'ambigüité d'un appareil obsolète, doté d'une optique douce et "piquée" en son centre, mais affectée d'un flou imprévisible sur les bords, d'un vignettage digne des débuts de la photographie. De l'autre la posture, le volume, l'abatage de la photographie sûre d'elle-même.

Très vite, l'association entre agrandissement et amplification s'est faite.

Je crois que les fondements de cette idée datent de ma rencontre avec Knut Maron il y a quelques années. Je l'avais vu travailler dans le paysage juste équipé de son Polaroïd SX 70 et j'avais vu les petites images bleutées qui en sortait. Il m'avait expliqué qu'ensuite, dans son laboratoire, il rephotographiait ce Pola originel (primitif, oserais-je dire) sur un banc de reproduction, à la chambre 4x5 nourrie d'une ektachrome. Parfois il filtrait ses sources lumineuses avec des gélatines au banc, parfois l'intervention sur la couleur se faisait au moment de l'insolation du Cibachrome, a l'aide des filtres de l'agrandisseur. Le tout aboutissant à un tirage d'environ 110 x 120 cm

Toutes ces strates d'intervention, altérant / transcendant le cliché d'origine m'avait immanquablement fait penser au travail d'un musicien triturant le son à l'aide d'effets, delay, réverbération, saturation, etc, jusqu'à l'émission du signal final à travers l'amplificateur.

J'aime bien aussi l'idée que l'action de la chimie photographique est essentiellement électrique, cet électron arraché pour que l'halogénure mute en métal massif.

Je me souviens aussi, que dans une interview radiophonique, Arnaud Claass avait comparé le flou photographique à la rumeur...

... L'histoire d'une vérité malade de distorsion... »

http://voigtland.blogspot.com/

La série « Polaland »

2008-02-28T10:46:00.004Z

Photo Yannick Vigouroux,
« Lisbonne, 1999 »
(Polaroïd Image)

« Polaland » : j'ai eu l'idée de ce titre de série en songeant à celui de mon ami Christophe Mauberret, « Voigtland », au sujet de laquelle il a déclaré : « [...] disons que le résultat se juge à l'aune du spatio-temporel. Le grand bénéfice pour moi est de créer un apparentement des images qui désormais font famille. »

« Polaland » donc, ou le « pays, territoire photographique du Polaroïd qui unifie la vision. Un monde que j'imagine fluide et délavé par des nappes de flou (depuis le début des années 1990, j'ai utilisé exclusivement des Polaroïds amateurs dans ma pratique personnelle) brouillé et tramé de brumes mentales (à l'images des photos faites au Diana dans les pays de l'Est de l'Europe par Didier Cholodnicki, la série « De nulle part ») ; aux couleurs saturées aussi, au flash dématérialisant (Cf. mes « Flux de conscience »).

On aurait fait le choix de de ce monde-là, mental, de ne plus vivre et flâner que dans ce monde trouble et troublant où formes et couleurs crépitent, palpitent sourdement.

Iconoclaste & Pyromane ? : les premières images au Photon de Caroll' Planque

2008-02-26T14:54:00.014Z

Photos Caroll' Planque, « Sans titre, 2007 » (Photon)

Le 3 janvier 2008, Caroll' Planque m'envoyait ses voeux par e-mail :

« Un petit mot pour te souhaiter bien des choses en 2008... Et puis un petit cadeau de début d'année, et comme promis, mes premières photos avec le Photon (copie de Diana, c'est encore mieux). L'appareil prend la lumière, et mes pellicules étaient périmées. Voici le résultat, dont je suis très contente... »

Le « cadeau » m'a fait énormément plaisir.

En effet, c'est « encore mieux » (ou « pire » ) qu'avec un Diana : le film franchement voilé, semble s'embraser. Cette impression de brusque combustion qui semble inextinguible (comme celle des films sur support nitrate), due à l'absence totale d'étanchéité à la lumière, révèle un vrai plaisir à s'abandonner aux aléas de l'expérimentation, à malmener les conventions de la « photo réussie ».

Une route de braises bordée de peupliers qui s'enflamment, d'autres arbres rougeoyants... Caroll' serait-elle devenue une iconoclaste pyromane ?

Les photos de Caroll' Planque sont visibles sur :

http://myspace.com/191155315

http://www.altphotos.com/Gallery.aspx?&a=MemberGallery&memberid=2061

Du Diana au numérique : les nouvelles photographies de Didier Cholodnicki

2008-02-15T11:58:00.009Z

Photos Didier Cholodnicki,
« Belgrade, s. d. » (appareil numérique) /
« Italie, s. d. » (Diana)

Du Diana au numérique. Il s'agit d'une transition naturelle et non d'une rupture.

La série « De nulle part », exposée dans Foto Povera, au CPIF, en 2006, avait été réalisée par Didier Cholodnicki avec un appareil Diana, ce boîtier en plastique que Nancy Rexroth a utilisé dès 1970, et qu'elle aime nommer sa « machine à poésie ».

Soucieux de ne pas s'enfermer dans un protocole formel figé, Didier a abandonné son appareil-jouet pour un boîtier numérique. Les photos prises à Belgrade ressemblent toutefois beaucoup à celles de la série « De nulle part ».

Première similitude, le format des images reste carré. Elles ont aussi été imprimées à l'aide d'encres pigmentées sur papier coton. On y retrouve, parfois, les même flous, la même perception fluide et straight de l'espace urbain. Les zones de netteté glissent sans cesse vers des zones des flou... Le vignettage a toutefois disparu. Comme le reconnaît le photographe, cette série fut une étape transitoire vers les photos prises en Inde.

Dans les images réalisées à Pondichéry, d'une facture beaucoup plus classique, plus « précisionniste », la vision de Didier s'apparente toutefois toujours, à ce « documentaire poétique » (et pour citer à nouveau Jean-André Bertozzi) que j'évoquais récemment à propos de l'exposition de à l'ARDI.

Le point de vue est souvent centripète, plus de diagonales fuyantes... Les couleurs sont plus saturées, mais il est vrai que la lumière de l'Inde est radicalement différente de celle des villes de l'Europe de l'Est, dont la brumeuse grisaille unifiait autant que l'usage d'un Diana la vision.

Si les moyens sont différents, Didier m'a confié que « dans son cerveau, les images restent virtuellement les mêmes ».

« Indias Orientalis ». Exposition de photographies de Didier Cholodnicki à l'Artothèque municipale de Grenoble, Bibliothèque Kateb Yacine, 1 cour des Erables, Grand'Place, du 15 janvier au 8 mars 2008.

De l'Hasselblad au Diana, « Silent Nests » de Vicki Topaz

2008-02-14T11:25:00.011Z

Photos Vicki Topaz,

« Plounerin, 2005 » (Diana) /
Sibril, 2005 » (Hasselblad)

« Document poétique », pour reprendre la belle expression de Jean-André Bertozzi, j'emploierais aussi l'expression « document affectif » ou « sentimental » (sans sentimentalisme aucun !) à propos de la série « Silent Nests » de Vicki Topaz.

Après le décès de sa mère, la photographe, qui vit à San Francisco, et dont la famille est originaire de l'Europe de l'Est, entreprend de traverser avec son mari l'Ancien Continent depuis la pointe est de celui-ci.

En Bretagne, puis en Normandie, elle découvre ces colombiers tellement photogéniques et décide de les photographier, d'abord avec son Hasselblad – un boîtier hautement professionnel. Très vite, elle éprouve le besoin d'utiliser un Diana en plastique, parce qu'il restitue une vision plus intimiste et subjective du sujet. Si cet appareil-jouet rudimentaire produit une image piquée au centre, celle-ci se dilue sur les bords dans les flous d'un vignettage du à la médiocre qualité de l'optique, suggérant un resserrement mental de la vision.

Selon Gilles Boussard, elle « [convoque] les pratiques de la "photographie pauvre" de Bernard Plossu et le sens du classement typologique de Bernd et Hilla Becher » (La Lettre de L'Imagier n° 35, janvier 2008).

La dimension typologique chère à l'Ecole de Düsseldorf est en effet ici citée, et brillamment dévoyée par la photographe (déjà, par le fait que les vues sont rarement frontales, premier écart aux conventions du style). Et, en même temps, nous sommes, à l'évidence, dans la Foto Povera. Ce n'est pas la première fois que je constate une hybridation qui pourrait paraître antinomique à certains. La série « Voigtland », de Christophe Mauberret, en constituait un autre exemple convaincant et passionnant, pour d'autres raisons, sur lesquelles je reviendrai d'ailleurs prochainement avec lui sur ce blog.

Sans doute mes propres images et celles de Remi Guerrin, comme beaucoup de photos des participants du collectif Foto Povera, doivent-elles de même beaucoup au style dit « documentaire », à Walker Evans bien sûr, mais aussi aux participants de l'exposition « New Topographics » tels que Lewis Baltz ou Robert Adams, dans la manière de cadrer, et les sujets de prédilection (zones intermédiaires, terrains vagues etc.). Loin des querelles stériles de chapelles, rappelons ici que les « genres » ou les « écoles » sont beaucoup plus poreux et traversés d'influences complexes voire (positivement,) contradictoires, que ne l'écrivent souvent les historiens « officiels » de la photographie (dont je m'exclue puisque je me passionne depuis le début des années 1990 pour les pratiques dites parfois « alternatives » qui n'ont guère droit de cité sur les cimaises de l'Etat français et les galeries parisiennes, ou un salon tel que Paris-Photo).

Revendiquer une pratique « paradoxale », « contradictoire » dans ses moyens et ses fins : la conclusion du texte que consacre Gilles à Vicki Topaz me plaît à ce titre beaucoup :
« Elle rapproche les contraires pour mieux exacerber nos sens ». (Op. cit.)

Gilles Boussard remarque aussi très justement : « Ces splendides bâtisses présentent des murs percés de centaines de petits orifices qui évoquent chez les passionnés de photographie ces expériences dites "sténopés", où l'on domestique la lumière dans une boîte par un minuscule trou pour exposer le papier photographique. Tel est le colombier comme une camera obscura à objectifs multiples... »

Du colombier à la camera obscura : ces constructions cylindriques m'ont aussi fait d'emblée penser aux citernes d'eau de New-York transformées en sténopés par Claire Lesteven. Il existe toutefois un contraste très net, visuellement, entre l'aspect ordinaire de ces citernes urbaines en bois et cet « objet architectural aristocratique en déshérence » (Ibid.) .

Les images auraient pu être prises de l'intérieur des colombiers transformés en sténopés, comme le fait Claire Lesteven avec ses citernes, Felten + Massinger avec leur caravane, Vik Munoz avec des blockhaus... Seule l'hypothèse, la virtualité du dispositif est ici suggérée. Au spectateur d'élaborer ses images mentales, hors cadre. Comme y incitent les images prises au Diana de l'intérieur des colombiers, matrices possibles de visions subjectives, voire mentales, oniriques.

« Silent Nests ». Exposition de photographies de Vicki Topaz à L'Ardi-Photographies, Cité Gardin, 32 avenue de l'Hippodrome, Caen, tél. 02 31 50 04 56.

www.ardiphot.com

www.vickitopaz.com

« Le Jardin des Enfances » de Véronique Guerrin [Window # 636, Faches-Thumesnil, 24 décembre 2007]

2008-02-08T10:57:00.001Z

Photo Yannick Vigouroux,
Window # 636, Faches-Thumesnil
["Le Jardin des Enfances"], 24 décembre 2007
(Optima Agfa II)

« C'est l'hiver. Les poires et les pommes s'accrochent aux branches nues. Une végétale transparence habille le jardin. les roseaux se tordent, se vrillent sur le grillage tordu. Une rose, la dernière, gelée sur sa tige froide. Là-bas, beaucoup plus loin, la montagne noire, de lave nocturne, terre de charbon aux poumons morts. Une vallée pour les exilés qui n'ont plus de larmes. Celui qui a perdu sa natale identité se cache en ce désert hypothétique.

Un rêve : toujours le même, s'endormir pour demeurer dans le jardin verdoyant des enfances, où les hautes luxuriances et les fleurs ensoleillées se renversent, vers le lit au songe d'une abyssale profondeur. Un rêve: toujours un autre, de flocons de neige qui danseraient dans la cour de l'école vide, de vents et d'aubes qui essaimeraient les senteurs croissantes et d'une sirène d'usine qui troue l'espace nuageux.

Juste un peu de langueur, d'ombre... Une elfine légère grimpe à l'échelle posée contre l'arbre au tronc massif. Cet érable a perdu ses feuilles rouges. C'est toujours le même jardin que l'on retrouve, où que l'on aille... le mystère d'une échelle ici, revient sans cesse. Cette échelle qui ira de terre au ciel et de ciel à la terre... Une marelle verticale ?

(Véronique Guerrin, « Le Jardin des Enfances », 2008)

Les « Sacrifiés » de Renaud Marchand (scanogrammes)

2008-02-06T10:51:00.000Z

Photo Renaud Marchand,
« Caille #09, Montpellier, 2002 », de la série « Sacrifiés »,
(Digital C print, 120 x 100 cm, éd. de 6 ex. + 2AP )

A propos de sa série de scanogrammes (ou, si l'on préfère, « scanographies »), intitulée « Sacrifiés », Renaud Marchand, dont les images présentent d'évidentes affinités avec celles d'Emmanuel Dufour, écrit :

« Des petits animaux révèlent progressivement leurs entrailles. Plus que le passage de la vie à la mort (les animaux sont déjà morts avant la première image, contrairement à la confusion volontairement entretenue par le titre de la série), il s’agit principalement d’explorer les rapports entre les notions de beauté et d’horreur. Chaque animal est présenté en série de dix photographies de 100 x 120 cm par image. » (http://www.renaudmarchand.com/bio.html)

Il était vraiment tentant de confronter ce petit cadavre de caille aux squelettes de celles que j'ai mangées récemment chez Laurent...

« Culture et développement, 2008», un nouveau scanogramme d'Emmanuel Dufour

2008-01-23T12:42:00.000Z

Photo Emmanuel Dufour,
« Culture et développement, 2008» (scanogramme)

Il y a quelques semaines, j'ai suggéré à Emmanuel de scanner les reliefs du savoureux repas qu'il avait préparé chez lui. Les infimes et fragiles os de caille, aussi légers que des allumettes, s'amoncelaient dans un plat posé sur l'évier de sa cuisine. Cela ressemblait à un mikado confus et structuré à la fois.

Il me semblait qu'il y avait une logique interne dans le désordre des ossements accumulés, superposés sans souci d'organisation.

Comme je le lui ai suggéré, Emmanuel a scanné ces squelettes, qu' évidemment, et contrairement à son habitude, il ne conservera pas dans une boîte en carton...

Une belle nature-morte scanographique en résulte, qui s'apparente à un bas-relief de pixels aussi macabre que visuellement séduisant.

Les portraits scanographiques de Driss Aroussi

2008-01-08T09:18:00.000Z

Photo Driss Aroussi , « Aziza , 2007 » (scanographie)

Driss vient de réagir au texte que je viens de consacrer aux expérimentations d'Emmanuel Dufour :

« En lisant le dernier texte posté sur les objets scannés d'Emmanuel Dufour, j'ai souhaité vous montrer l'état d'avancement de ces images... Ces identités scannés je ne sais pas trop quoi en penser, ni comment les regarder à vrai dire.
J'ai bricolé sur un trépied une accroche qui me permet de fixer le scanner à la vertical, avec un drap noir par dessus, et l'ordinateur gère tout ça.
Cela marche assez bien, la pose est longue (environ 2 min en 300 dpi ) pour le portraituré ; si la personne bouge l'image est déformée de façon assez violent, ce n'est pas un flou ( de bougé ) mais plutôt un éclat. »

J'aime beaucoup la notion d' « éclat » utilisée par Driss. Voilà un travail en cours des plus prometteurs me semble-t-il, qui renoue avec les distorsions pratiquées dès les années 1920 par différents photographes, André Kertész en particulier. L'hyperréalisme de l'image scanographique, que j'avais signalé au sujet des photos d'Emmanuel, se trouble ici, comme la surface de l'eau d'une rivière parfaitement transparente et reflétant si bien le monde extérieur, au moindre impact de pierre, souffle de vent, ou pour paraphraser Driss, au moindre « éclat ».

Le scanner me fait penser à un miroir absorbant, enregistrant, sensé restituer l'objet avec une précision absolue, mais peut parfois, comme les miroirs des fêtes foraines, devenir déformant. Une manière d'hyperréalisme qui tendrait vers le fantastique ou le surréalisme ?

Dans le portrait d'Aziza en particulier, la matière irrégulière me fait aussi beaucoup penser aux reflets bleutés des daguerréotypes, véritables images-miroirs, au sens propre et figuré. C'est une fois de plus, comme me l'a si justement écrit Véronique Guerrin à propos de mes sténopés numériques, « un bon en avant technologique et un retour au origines de la photographie ».

Les scannogrammes d'Emmanuel Dufour

2008-01-07T09:39:00.000Z

Emmanuel Dufour,
« Cassette, 2003 » / « Piège, 2004 »
(Scannogrammes)

J'ai souvent évoqué les travaux d'artistes recourant à des sténopés, des appareils de prise de vue dépourvus de viseurs et surtout d'optiques. Il existe un autre courant majeur de la Foto Povera, peut-être moins connu : la scanographie, avatar numérique des rayogrammes, schadographies, et autres photogrammes réalisés sur papier argentique dès 1919. Cette fois, attitude plus radicale encore que la sténotypie, l'appareil-photo a complètement disparu.

En 2005, à l'occasion de Foto Povera 3, nous avions exposé au Centre Photographique d'Ile-de-France (Pontault-Combault) un photogramme de Nancy Wilson-Pajic : une image par contact et en négatif, sans l'entremise d'un appareil, sur le papier bleu du cyanotype, d'un vêtement qui n'était pas sans rappeler le Saint-Suaire de Turin.

Emmanuel Dufour accumule des objets glanés qu'il scanne sans les avoir préalablement photographiés. Il obtient ainsi des « scanogrammes ». Sa démarche est celle d'un collectionneur, sinon celle d'un taxinomiste. D'ailleurs il ne jette jamais ces objets après usage et les conserve soigneusement dans des cartons, comme autant de pièces précieuses et parfois fragiles de ce que je nommerais une « collection sentimentale ».

Taxinomiste, il l'est d'ailleurs au sens quasi littéral du terme puisque les insectes sont récurrents dans ses images. Une image de la même évoque aussi clairement un piège qui pourrait bien être destiné destiné à capturer ceux-ci.

Si une telle pratique relève d'une propension, comme chez les auteurs de photogrammes, à fixer une empreinte absolument directe du visible, sans les intermédiaires d'une optique ou les mécanismes d'un boîtier, les natures-mortes obtenues sont d'une troublante précision. L'hyperréalisme des images d'Emmanuel tranche franchement avec les flous spectraux, souvent abstraits, des expérimentations avant-gardistes de Christian Schad, Man Ray ou Laslo Moholy-Nagy. Les moyens sont proches, la volonté d'une empreinte directe identique, mais le résultat est formellement opposé. A l'image je l'espère, de la variété, et de la richesse, des préoccupations qui animent les acteurs de la Foto Povera...

Le site d'Emmanuel :

http://scannogrammes.emmanueldufourcoloristematieriste.com/

Le Vésuve par Pierryl Peytavi (Brownie flash)

2008-01-04T12:05:00.001Z

Photo Pierryl Peytavi, « Le Vésuve, 2006 » (Brownie flash)

Pierryl vient de m'envoyer les photos qu'il a pris récemment avec un Brownie flash 6x6 cm. Séduit par toute la série, l'une de mes préférées sort toutefois pour moi du lot, très subjectivement, je l'avoue. Elle été prise d'une fenêtre de bus – sans doute suis-je influencé par sa série éponyme à laquelle je viens de consacrer un texte, et mon propre travail au sténopé ! ... ainsi que mon récent séjour dans le Sud de l'Italie –, et montre la vaste baie de Naples, matinale ou crépusculaire. La scène semble fondue dans un flou aussi atmosphérique qu'optique. Avec, en arrière-plan, les rondeurs faussement rassurantes et sensuelles du Vésuve qui détruisit (mais paradoxalement sauvegarda, momifia on le sait) Herculanum et Pompei en 79 ap. J.-C., et se réveilla, cela on le sait moins, il n'y a pas si longtemps, en 1944.

L'objectif de cette toy-camera est de médiocre qualité. Cette fois on est, sans aucun doute, technologiquement dans la « Foto Povera ». Même si je m'en défends une fois de plus, je n'ai pas la tentation, et ne l'ai jamais eu, de dresser une typologie des appareils « pauvres » qui serait le dénominateur commun des acteurs du collectif...

Pourquoi cet « effet », ou plutôt ce sentiment de « fenêtre » ? : je ne l'ai compris qu'après coup : comme dans mes photos prises à la box 6x9, le film à l'intérieur de l'appareil n'était pas parfaitement tendu, bien plaqué et par conséquent a gondolé légèrement. Bien que délimité par des lisérés noirs encadrants mais irréguliers. Par ailleurs, la poussière sur la fenêtre sale génère, tel un calque, un écran qui diffuse la lumière. Comme si Pierryl avait visé à travers unbloc de verre mal taillée aux contours approximatifs. Et en effet, il n'y a rien, au sens propre et figuré de net, de sec, ou de tranchant dans cette image. Mais une douce et rassurante dissolution des apparences... et des dogmes visuels.

Voici une pure « image-sensation », comme l'écrit Serge Tisseron dans Nuage-Soleil (Marval, 1994) à propos des photos de Bernard Plossu, notre ami et mentor commun. Des images qui relèveraient d'une « attention suspendue ». Je parlerais moi d'une concentration dilettante – il s'agit d'un « appareil amateur », ce qui encourage à cette attitude ? – d'un lâcher-prise visuel parfaitement assumé. Voilà ce que j'aime dans cette photo si intemporelle de la baie de Naples. Si je devais ouvrir les yeux pour la première fois et la dernière fois, j'aimerais que ce soit cette image qui s'imprime définitivement sur ma rétine.

Les « Fenêtres » de Pierryl Peytavi

2008-01-02T10:02:00.000Z

Photo Pierryl Peytavi, « Fenêtre n°3, 2003 », tirage argentique

La série des « Fenêtres » de Pierryl Peytavi présentent de fortes affinités avec nombre de travaux de la Foto Povera., et, notamment... le mien. Si le photographe utilise un boîtier reflex traditionnel, « sérieux », les enjeux esthétiques sont proches, me semble-t-il, de ceux de mes propres « Fenêtres / Windows », réalisées avec un sténopé numérique.

Dans les photos de Pierryl Peytavi, les distorsions naissent de la surface certes plate (contrairement aux miroirs déformants des fêtes foraines, et qu'utilisa André Kertész pour réaliser ses « Distorsions »), mais brouillée par toutes sortes d'accidents et d'éléments parasites : poussière, gouttes de pluie, buée, cassures dans le verre, morceau d'adhésif etc. Une voiture semble ainsi augmenter de volume, est déformée par les caprices d'une perspective indécise. La fenêtre n'est plus seulement cette surface transitionnelle, intermédiaire, entre l'extérieur et l'intérieur. Elle s'affirme chez Pierryl comme un écran projectif, une matrice d'images mentales. Certaines vitres évoquent justement ces plaques de cuivre, ou de bois sur lesquels le papier est fortement comprimé à l'aide d'une presse pour obtenir une gravure, une lithographie etc. Ce n'est pas un hasard si Nièpce, l'inventeur de la photographie était justement un graveur qui voulait obtenir les meilleurs reproductions d'oeuvre d'art à l'aide du bitume de Judée, et s'il choisit la vue de sa fenêtre comme sujet de son premier cliché ! Une fenêtre originaire, qui évoque beaucoup le principe de la camera lucida. Dans les images de Pierryl, es rectangles lumineux semblent hésiter, sans cesse, entre la transparence et l'opacité : l'image semble se former sous nos yeux, révélant peut-être plus ce qui se passe à l'intérieur qu'à l'extérieur. La lumière semble provenir autant de la pièce que du dehors, dont les éléments sont de toute façon, le plus souvent, en partie ou totalement « illisibles ».

D'autres images ressemblent à des blocs de verre figés emprisonnant d'énigmatiques et capricieux signes caligraphiques, ou encore ces morceaux d'ambre qui retiennent prisonniers les insectes depuis la Préhistoire, et que Günther Grass, que je suis tenté de citer à nouveau ici, utilise comme métaphore de la mémoire : les souvenirs (des images mentales donc) sont encapsulés dans le bloc transparent (Pelures d'oignon, 2006).

Grains argentiques ou pixels numériques, boîtier classique ou sténopé, mes fenêtres et celles de Pierryl n'encapsulent pas seulement des souvenirs, elles sont des matrices, des fabriques d'images translucides en devenir...

Ed Lisieski, série « Night Sign Pola » (Polaroïd 600)

2007-12-21T10:14:00.000Z

Photo Ed Lisieski, série « Night Sign Pola » (Polaroïd 600)

J'ai interrogé récemment Ed Lisieski sur les conditions de réalisation de ses Polaroïds réalisés la nuit. J'aime en effet beaucoup la lumière entre chien et loup de ces images, où les objets, les bâtiments semblent s'animer, palpiter d'un étrange éclat mat. Voici sa réponse :

« I use a One-Step Flash that uses 600 film. I bought it back in the early 90's. One day I plan to post those early shots of my pre-RedButtons days. Occasionally I use a flash, usually only at night and even then it's very limited. Most of my shots are shot on the "dark" setting. I feel the colors are richer. As for a preference of day or night, it is not up to me most of the time. I shot during my commute in the morning and evening to and from work so the lighting is dependent upon what time of day and year I pass by a subject. The series of night time shots from Ritzville were a complete experiment. We arrived at night and were excited to begin shooting so we did. I found that by bouncing a flash against white objects (truck, house, etc.) that I caught only a silhouette of the object. / J’utilise un flash "One-step" qui nécessite une pellicule 600. Je l’ai acheté au début des années 90. J’espère un jour exposer ces anciens clichés du temps d’avant ma période "Red Buttons". J’utilise un flash de temps à autre, le plus souvent seulement la nuit. La plupart de mes clichés sont tirés sur le mode "Noir". Il me semble que cette façon de faire "enrichit" les couleurs. Il m’est égal de photographier de jour ou de nuit. La plupart de mes photos ont été prises lors de mes déplacements au travail – le matin et le soir – c’est pourquoi l’exposition dépend du moment, du jour et de l’année où j’ai photographié le sujet. La série des prises de nuit à Ritzville était totalement une expérimentation. Nous sommes arrivés de nuit et nous étions impatients de commencer à photographier, ce que nous fîmes. J’ai découvert qu’en faisant "rebondir" le flash sur des objets blancs (camions, maisons etc.) j’ai pu isoler la silhouette de chaque sujet.»

Merci à Constance Lewis pour la traduction.

Foto Povera & le cinéma amateur (« Routine » de Marion Delage de Luget et Benoît Géhanne)

2007-12-07T10:19:00.000Z

Vidéogrames extraits du film « Routine »
de Marion Delage de Luget et Benoît Géhanne (film Super-8)

Dans un texte récent, publié ici, j'ai évoqué les relations entre photo d'amateur (qu'elle soit anonyme ou non, ancienne ou contemporaine) et Foto Povera. Reste à évoquer, bien sûr, celles qu'entretient le collectif avec le cinéma d'amateur.

Depuis peu, le festival Pocket Films prime les auteurs de (très) courts-métrages réalisés avec un téléphone mobile. Le phénomène fera l'objet d'un autre texte. Signalons seulement, en quelques lignes, que si certains de ces films sont tournés avec une très basse résolution, donc fortement pixellisés et relevant d'une esthétique « pauvre » – à l'instar des photos numériques prises par Marc Donnadieu ou Bruno Debon –, les fabricants proposent désormais des appareils qui offrent une résolution de 5,0 Megapixels... Est-ce toujours du cinéma cheap ? Je ne crois pas.

La série « Routine » conçue par Marion Delage de Luget et Benoît Géhanne propose une relecture, une citation et en même temps un détournement des conventions des cinéma d'amateur et professionnel particulièrement originale. Glissements, interférences, superpositions, points de friction dans le temps et dans l'espace... Un micro-drame, aussi individuel qu'universel, se joue dans la trame grossie.

Parmi les bobines Super-8 offertes par une amie américaine – la production familiale du père de cette dernière – les deux artistes ont sélectionné des séquences qu'ils ont redimensionné au format du cinémascope (du 4/3 au 2/25). Dans différentes langues, ils incrusté le mot « fin ». Benoît déclare à propos de ce travail : « Nous voulions à la fois montrer le caractère international du cinéma, que l’on a souvent tendance à qualifier de "langage visuel universel" . Et, en même temps, faire référence à des avant-gardes clairement identifiées comme des pratiques locales, spécifiques à une nation : le cinéma "américain", "soviétique", "italien" par ex. Une communauté donnée va se retrouver dans son cinéma. Il y a toujours un enjeu de représentation, d’identification d’un groupe, même dans la science-fiction la plus fantaisiste !…

Dans la série « Routine », nous avons voulu provoquer un frottement entre le vécu très contextualisé d’une famille américaine et ce mot Griffe Raymond Voinquel ; griffe du réalisateur ; griffe du producteur "fin" qui, transcrit en russe, renvoie plutôt à la guerre froide, au cinéma soviétique … On assiste dans ces images à des évènements très ordinaires mais en même rituels, qui soudent la communauté, tels que la parade de la ville : dans une petite rue de San Diego, défilent les membres d’un club de foot, des majorettes, des pompiers, des policiers etc. Au départ, il y a surtout l’idée de s’amuser avec une narration minimale qui dit ironiquement, dès le départ, que "c’est fini", on a raté l’essentiel… » (la suite de l'entretien peut être lue dans « La mémoire est comme un mille-feuilles » sur www.lacritique.org)

Cette métaphore de la mémoire comparée à un mille-feuilles est de Benoît ; ceux qui ont lu le dernier livre de Günter Grass savent qu'il compare, quant à lui, le souvenir à un oignon : « Le souvenir se fonde sur des souvenirs qui a leur tour sont en quête de souvenirs. C'est ainsi qu'il ressemble à l'oignon, dont chaque pelure met à jour des choses depuis bien longtemps oubliés, jusqu'aux dents de lait de la première enfance ; mais ensuite le tranchant du couteau lui donne une autre destination : haché peau à peau, il fait venir des larmes qui troublent le regard. » (Pelures d'oignon, 2006). Un regard flou, qui se trouble comme une image mentale, une image-souvenir : il a souvent été dit et écrit que, justement, les images relevant de la Foto Povera évoquaient cela.

La 4e édition du festival Pocket Films aura lieu les 13-14-15 juin 2008, au Centre Pompidou, Paris.

http://www.festivalpocketfilms.fr/

La photographie de métro au Mavica Sony

2007-12-05T12:33:00.000Z

Photos Yannick Vigouroux, "Paris, 2 déc. 2007",

de la série "Underground" (Mavica Sony)

J'ai continué ce week-end avec mon Mavica Sony la série « Underground » commencé en 2000 avec un Lomo LC-A. Le boîtier est tellement gros qu'il ressemble à un camescope ! J'aime décidément de plus en plus le ronronnement électronique des disquettes sur lesquelles j'enregistre les images.

Chronophotographie & toy-cameras (Jean-Luc Paillé)

2007-12-05T11:52:00.000Z

Photos Jean-Luc Paillé, "Sans titre, 1996" (Syrus)

« Je me suis intéressé à ce genre de photographie [la Foto Povera] afin de me défaire du carcan technique de la photographie professionnelle qui nous amène à nous entourer du matériel dernier cri. La recherche photographique me passionne depuis la fin des années 70, je travaillais alors sur des montages en infrarouge pour créer des images personnelles. Le choix de travailler avec ce type d'appareil n'est pas uniquement une expérience où le résultat ne compterait guère, au contraire la qualité artistique et la référence à l'utilisation de la photographie sont primordiales. J'ai choisi ces deux photos car elle sont étroitement liées à deux de mes recherches personnelles actuelles. Un travail sur le paysage en couleur et en grand format où se trouvent des petits personnages. Et des mouvements d'images à l'intérieur même de la photographie.»

(Jean-Luc Paillé)

Jean-Luc possède plusieurs Syrus : des appareils-gadget en plastique qui permettent de prendre des chronophotographies, minuscules et lointains héritiers des lourdes chambres en bois utilisées au début du XXe siècle par Muybridge, Marey et Londe.... Il aime insister sur le fait qu'il ne s'agit pas seulement d'une pratique ludique, mais bien, dans l'usage qu'il fait d'un tel objet, d'une authentique recherche formelle. Il a découvert ce boîtier au début des années 1990. L'une de ses étudiantes lui avait apporté l'une de ces toy-cameras car elle souhaitait comprendre le mécanisme qui permet d'évoquer le mouvement, grâce à des décalages dans le temps des obturations. Lorsque l'on déclenche, une même vue 24 x 36 est partagée en 4, chaque fragment étant décalé d'1/6 de s. Selon Jean-Luc, une telle pratique est l'opposée de celle du sténopé, dans la mesure où il s'agit de représenter le mouvement (séquentielle, la chronophotographie est, on le sait, l'ancêtre du cinéma) et non l'espace. Je partage son avis, mais je nuancerai toutefois légèrement son point de vue : certains pratiques archaïsantes, palimpsestes de temps et d'espace, sont mixtes, comme celle de Claire Lesteven. En attestent quelques images prises récemment par Remi Guerrin. J'y reviendrai...

La seconde séquence de Jean-Luc évoque beaucoup le mouvement rotatif (c'est d'ailleurs techniquement ce qui se produit dans l'appareil) d'une... roue du destin, de la chance. Ou plus prosaïquement du mouvement d'une roue de bicyclette, dont le principe a d'ailleurs inspiré une série au photographe.

« Room with view [Tbilisi] » (un autoportrait au Lubitel de Catherine Vantecombreux)

2007-11-30T10:49:00.000Z

Photo Catherine Vantecombreux,
« Room with view [Tbilisi] », Août 2007 (Lubitel)

Extraits des e-mails échangés avec Catherine hier :

« Yannick : Il y a longtemps que je m'intéresse à ton travail photographique. Je te suggère de jeter un oeil sur http://fotopovera.blogspot.com/, car j'aimerais y évoquer ton autoportrait au Lubitel (tu tiens une cigarette face à un miroir) ; si tu es OK peux-tu me communiquer la légende précise et m'envoyer l'image en jpg ?

Catherine : J'ai jeté un oeil à ce site, il est absolument passionnant ! Evidemment je suis d'accord pour y faire figurer la photo mentionnée, tout le plaisir est même pour moi, très égoïstement vu. En fait, je ne l'aime que moyennement, c'est une photo ultra sous-exposée à l'origine (le labo n'a pas tenu compte du traitement poussé demandé !) et j'ai tenté de la récupérer vaille que vaille... Sous Photoshop, ça va "à peu près", mais sous l'agrandisseur...... elle est perdue ! Je pensais enlever ces bordures-négatif. Dis-moi ce que tu préfères.

Yannick : J'aime bien l'image comme cela, telle qu'elle apparaît.

Catherine : Les anneaux de Newton sont quand même une belle horreur ! Je peux rescanner le négatif si tu veux, j'ai trouvé une nouvelle méthode qui évite ces anneaux ; mais tu perdras les bords « négatif »... Je te laisse choisir. La légende est « Room with view » (je n'aime pas le « a », tant pis pour l'anglais correct). Tu peux aussi préciser « Tbilisi », ce sera peut-être le détail qui me plaira le plus Le film utilisé : Ilford, HP5, qui aurait « dû » être développée en 1600 asa... et qui l'a été en 400. Appareil-photo : Lubitel 166 Universal. Pleine ouverture (4.5 je crois), et une au 1/30e sen obturation.... Je le fais toujours au jugé, pas de cellule. »

Le Lubitel, cette copie soviétique aussi grossière qu'attachante du célèbre Rolleiflex bi-objectif, est devenu depuis quelques années l'un des appareils de prédilection des adeptes de la Foto Povera. Un appareil cheap, sans prétention, familier et attachant comme un petit animal mécanique sans pedigree. L'un de mes professeurs de l'ENP d'Arles m'a raconté au début des années 1990 qu'il s'amusait, la décennie précédente, lorsqu'il étudiait à l'Ecole Louis Lumière, à faire fondre l'optique en plastique avec un briquet. Il obtenait ainsi des distorsions amusantes. J'ai moi-même possédé un Lubitel que j'ai beaucoup malmené (comme récemment mon Sony Cybershot que j'ai tronqué de son objectif pour le transformer en sténopé), disséqué...

Dans cet autoportrait de Catherine que j'aime beaucoup, les anneaux de Newton dont elle s'inquiète ne me dérangent pas du tout. Ils créent un léger parasitage, une contamination à la fois organique et technique (un peu à la Cronenberg) qui voile légèrement la précision de l'image déjà bien approximative, du fait de la mauvaise qualité de l'optique. Le dogme dominant de l'enregistrement « objectif » du monde est désamorcé. L'utopie techniciste mise à mal, une fois de plus, au profit du doute et de l'accident créatifs (le film n'a en plus pas été développé correctement...). Un parti pris que confirme la décontraction sinon la désinvolture affichée de la photographe : elle vise et déclenche tout en tenant une cigarette allumée ; elle n'a pas pris la peine de poser. Dans l'arrière-plan flou, le mobilier et les objets n'ont visiblement pas été déplacés dans le but d'améliorer la composition. Et si notre relation au mode et la perception de celui-ci devenait plus simple, plus fluide, dans un tel parti-pris de lâcher-prise ? J'en suis convaincu et c'est pourquoi j'aime autant cet autoportrait précaire, fragile, qui, tellement sous-exposé, n'a été « sauvé » que de justesse.

« Stenoding » (un sténopé de Driss Aroussi)

2007-11-29T14:52:00.000Z

Photo Driss Aroussi, "Stenoding [Leslie], 2006"

(sténopé numérique)

Extrait de l'e-mail que m'a envoyé Driss ce jour :

« Cette image est un sténopé numérique de Leslie, fait lors d'une journée ensoleillé à Aix-en-Provence.
Pendant la préparation des diplômes du DNSEP, on vacille entre tension et relâchement : je demande à Leslie qui est une camarade et amie des Beaux-Arts de poser pour une image après le repas... On s'installe devant son atelier, elle prend une chaise et se place face à moi.

Intriguée par l'appareil bricolé, elle rigole, s'assoit, et moi, l'appareil au poing, j'enregistre ce moment.

Le titre donne un semblant de visage à l'image et surtout à la personne qui se tient devant l'appareil.

Le cadre n'en est pas vraiment un en fait, c'est plutôt une une mise en situation, une ouverture vers une question, l'image laisse libre cours à l'imagination : qui est Leslie ?...

Je croyais avoir enregistré le sujet dans sa totalité et au final j'en ai eu qu'une partie, c'est pour cela que j'aime la notion de "regard oblique" en référence aux pratiques de la photographie "amateur" et à un texte paru dans Études photographiques en mars 2002 (Marin Dacos, "Le regard oblique. Diffusion et appropriation de la photographie amateur dans les campagnes (1900-1950)" )

J'utilise des pellicules périmées, il y aussi en cours une série de portraits faites au scanner à plat (sur trépied ou pas) pour faire des "identités scannées", je bricole pas mal d'autres choses... »

« Figure de l'absence – une pratique du sténopé » (Mathieu Harel-Vivier)

2007-11-29T10:36:00.000Z

Photo Mathieu Harel-Vivier, "Sur l'écran 2, 2006"

(tirage argentique sur papier perlé, 31 x 41 cm)

Pour réaliser Ses sténopés, Claire Lesteven utilise une citerne d'eau percée ; le duo Felten-Massinger utilise une caravana obscura (une caravane transformée en camera obscura) ; Jeff Guess utilise sa bouche comme réceptacle et obturateur...

Bien que son appareil-sténopé soit plus traditionnellement en carton, le dispositif imaginé par Mathieu Harel-Vivier est tout aussi original. Ce dernier se met en effet en scène, face à cette première camera obscura enregistreuse, dans une seconde boîte qui est le théâtre primitif et paradigmatique de celle-ci. Le drap tendu évoque clairement ceux utilisés par les pionniers de la photo).

Le sténopé devient un espace habité, où évolue le corps de l'artiste, au rythme d'une lente chorégraphie lumineuse, de flous filés. Mathieu cite ainsi, et donne littéralement corps, au processus originaire de la photo. Son sténopé ressemble à une fabrique d'images mentales dont il serait à la fois le metteur en scène et l'acteur...

Comme dans les autoportraits d'Arnulf Rainer, « le temps d'attente du photographe rentre [...] à part entière dans la photographie. Un double rapport au temps s'instaure, alors : je pose et je fais la pause du temps. » (Mathieu Harel-Vivier, « Figure de l'absence, une pratique du sténopé », mémoire de Master d'arts plastiques, Université Rennes 2, année 2006-2007, p. 9)

« Trame numérique-fibre argentique » (les sténopés de Driss Aroussi )

2007-11-28T11:18:00.000Z

Photo Driss Aroussi, "Marion, mars 2007"

(tél. mobile / tirage argentique 17,8 x 24 cm)

« Je fais de la photographie et j'expérimente diverses possibilités de l'image, en particulier dans ses modes de fabrication et de restitution. La multiplication des moyens de captation du visible s'est diversifiée et quantifiée. Le choix est conséquent et le résultat est surprenant autant dans la facilité d'utilisation que dans la qualité qui en résulte.

Ainsi je pousse, jusque dans ses retranchements, la fameuse black box opaque et autonome évoquée par Vilèm Flusser dans son livre Une philosophie de la photographie, en détournant le champ d'action programmé de l'appareil capteur enregistreur.

Le questionnement porte sur le flux numérique des images et la fixation sur un support papier par les moyens de la photographie classique en chambre noire.

Ces images archaïques nous renvoient aux prémisses de l'histoire de la photographie ; le tramage de l'écran ainsi sensibilisé sur du papier noir et blanc dessine des formes, des lignes, des surfaces qui produisent une épreuve singulière.

L'épreuve est très proche d'un sténopé dans la chair de l'image ; on retrouve du flou, un scintillement et peu de piqué.

Ce sont des portraits faits avec un téléphone portable et un appareil photo numérique, tout cela agrandi avec un agrandisseur fait maison. »

(Driss Aroussi)

Les portraits issus d'une hybridation aussi singulière de technique classique de tirage et de technologies nouvelles semblent naître – comme dans une bassine de révélateur – autant que s'effacer (car impossible à fixer ?). Il y a comme une palpitation dans ces trames numériques. Une douce présence flottante, entre négatif et positif, qui évoque celle du saint-Suaire de Turin par exemple. Le cadrage frontal et serré évoque bien sûr ceux des photos anthropométriques, des photos judiciaires ou des photomatons, mais l'esquisse d'un sourire et le faible contraste rappellent que l'enjeu est tout autre : il n'est pas anthropométrique mais bien anthropologique. Il s'agit, plus que jamais, par des voies nouvelles et alternatives, de faire retour vers l'humain. De réaffirmer l'irréductible force du visage humain.

Mes premières photos au Diana (Le Vésuve, sept. 2007)

2007-11-27T08:39:00.000Z

Photo Yannick Vigouroux, "Le Vésuve, 13 sept. 2007"
(Diana-F 4x4 cm)

Ce mercredi 13 sept. 2007, je pouvais enfin contempler le cratère du Vésuve, après après une bonne 1/2 H de marche. Partout, dans le chemin gris serpentant jusque-là, des scories de lave, pépites sombres incrustées de micas. J'en ramasse quelques unes ; je suis surpris par leur légéreté. Belle lumière de fin de matinée. Dans la béance qui s'ouvre sous mes pieds, l’ombre portée d’un relief montagneux dessine une ombre portée grise, ample et anguleuse : un triangle inversé qui descend, pointe vers le bas en désignant la gueule de l'enfer remplie de poussière sombre. La lave semble inanimée, donc inoffensive. Pourtant, quelques mètres plus loin, quelques fumeroles montent des flancs rocheux de la bête assoupie, un peu comme celle qui sortirait des naseaux d'un dragon irrité, prêt à cracher du feu. Elle rappellent que le magma n'est que provisoirement retenu, qu'il pourrait se réveiller d'un instant à l'autre en faisant exploser le couvercle de sa chape de lave durcie… Tous les guides touristiques avertissent le lecteur : le Vésuve est un « volcan jeune » et « actif »… D'ailleurs il s’est réveillé pour la dernière fois en 1944, année où la ville fut libérée et bombardée par les Alliés, mais comme l’explique notre chauffeur de taxi, Aniello, avec l'intonation, le sourire et le fatalisme débonnaire des Napolitains, cela ne fut seulement qu’ « un malheur de plus »...

Je prends l'une de mes premières photos avec le Diana en plastique que m'a offert Bruno Debon. Mise en abyme d'un photographe qui, plus âgé que moi, utilise le dernier cri de la technologie numérique... Jamais les appareils dits "amateurs" n'auront été aussi sophistiqués.

Les spectres organiques de Bruno Debon (photographier avec un téléphone mobile)

2007-11-26T11:06:00.000Z

Photos Bruno Debon, "Var, 2005" (tél. mobile)

Un gigot qui ressemble à une carcasse de boeuf écorché ; un rocking-chair dont le profil calligraphique semble s'animer, fragile insecte nocturne ; un poulpe qui au contraire semble se dissoudre, épuisé de sa présence, dans un magma tachiste...

Décidément, les expérimentations visuelles des artistes qui, comme Bruno Debon, utilisent un téléphone mobile relèvent plus que jamais de ce que j'ai nommé dans un article « une réincarnation pixellisée » (CF. « Du Polaroïd à la photophonie : vers une réincarnation pixellisée ? » in www.lacritique.org, 5 avril 2006, d'abord publié dans la revue Images, mars 2005, p. 18-23)... Ces images sont un déni radical de l'imagerie artificielle et glacée, fabriquée sur Photoshop, tant redoutée dans les années 1990. D'ailleurs, et c'est un signe, l'expression cyber-réalité semble tomber en désuétude.

Le numérique, utilisé de manière alternative, peut générer de puissant effets de réalité, tout comme le grain prononcé, le vignetage et le flou obtenus grâce aux toy-cameras chargées de films argentiques. Non, le corps et les problématiques qui lui sont inhérentes ne sont pas morts avec le numérique, tout comme ses spectres (sauf si, comme dans les contes, leur âme est sauvée) ne peuvent par définition pas mourir et sont condamnées à l'errance.

La Foto Povera et la photographie d'amateur

2007-11-22T09:03:00.000Z

Anonyme, "Je suis sérieux et j'y penses [sic],
Labesse [sic], juillet 1967."
(Coll. Yannick Vigouroux # 699)/
Photo Yannick Vigouroux, "Mascarade nocturne de Juliette, 2004."

Parfois, c'est avant tout la légende au dos du tirage qui fait « fictionner » la photo. En tout cas renforce, quand elle ne contredise pas, au contraire, le contenu strictement visuel . « Je suis sérieux et j'y pense. » a écrit pour lui-même, ou pour son/sa destinataire, l'homme qui se tient appuyé sur une barrière en bois. La pose est en effet plutôt guindée et hiératique. Est-ce cela le « sérieux », et la « pensée », l' « idée » du sérieux » ? Faut-il comprendre la phrase au second degré ? Je l'ignore, mais l'individu se concentre avec une réelle conviction sur l'idée du « sérieux » ; il tente, à l'évidence, très sérieusement ou plus ironiquement, de l'incarner... Sans gravité toutefois, car on le sait, la « gravité » est le sérieux des imbéciles. Des prétentieux en tous genres.

Je n'avais encore aucune connaissance du texte lorsque j'ai chiné la photo. Je n'ai découvert la légende qu'après coup, une fois rentré chez moi. Sur la brocante, je n'avais eu que l'intuition de cela, j'avais perçu ce que « disait » l'image, d'une manière encore floue, tout à fait confuse au milie de autres clichés que j'ai acheté. Et cet homme, qui est pour moi un parfois inconnu, qui pourrait être en vie aujourd'hui (cette photo est plutôt récente) m'est sympathique, bien que j'ignore tout de sa vie et presque tout de sa personnalité : je sais seulement qu'il avait envie, grâce à la photographie, dans sa tenue vestimentaire décontractée mais pas négligée non plus, simplement classique et néanmoins confortable, d'incarner, sérieusement ou non, l'idée du sérieux.

J'avais envie de confronter ce portrait à celui de mon amie Juliette - l'une des artistes ayant participé, avec ses photos prises au Holga, au collectif Foto Povera. Posant masquée et bottée sur la butte Montmartre pour une mascarade nocturne, Juliette ne se concentre pas du tout sur l'idée du sérieux. Ce serait contraire à l'idée qu'elle se fait de la pratique photographique ! Au milieu de plusieurs prises de vue, j'ai déclenché trop vite, ne laissant pas le temps au flash de mon Nikon AF compact de se recharger. Il en résulte ce flou que j'aime beaucoup. Si l'amateur aime s'approprier les conventions de la photographie professionnelle (l'on doit être parfaitement net lorsque l'on prend la pose), j'aime utiliser les mêmes boîtiers que lui pour obtenir... le contraire.

Est-ce de la Foto Povera (de la webcam au canon g2) ?

2007-11-21T10:36:00.000Z

Caroll' Planque, de la série "Headaches, 2007"

Caroll' Planque a exposé dans les trois premières étapes de Foto Povera des autoportraits réalisés avec ce minuscule appareil globuleux qu'est la webcam. Son visage en noir et blanc, flouté, désagrégé par des pixels indécis et flottants, était une manière de spectre numérique, à l'instar des photos prises par Bruno Debon avec son téléphone mobile. Visage blême, cheveux sombres émergeant d'un crépuscule brouillé, électronique : une atmosphère qui n'est pas sans évoquer celle de la Cold-Wave (et les couvertures des albums autant que la musique elle-même), courant musical auquel l'artiste est très attachée. Tout comme moi d'ailleurs, et ma série de Polaroïds 600 intitulée « Flux de conscience » en atteste, je crois...

Comme Laurent Chardon, Caroll' s'interrogeait dans un récent e-mail : « les deux photos [de la série "headaches"] ont été faites avec un Canon g2, donc pas sûr que cela entre dans le cadre de la Foto Povera. ». Et bien justement si, tant l'esthétique reste proche de celle développées avec une webcam. La mise en scène est seulement un peu plus élaborée, assortie désormais de jeux de surimpressions et surtout de masques auxquels l'auteur des « Mascarades » n'est évidemment pas insensible ! L' intention de l'artiste reste la même.

Les photos de Caroll' Planque sont visibles sur :

http://myspace.com/191155315

http://www.altphotos.com/Gallery.aspx?&a=MemberGallery&memberid=2061

Est-ce de la Foto Povera (utiliser le Leica à rebours de l'utopie techniciste...) ?

2007-11-21T09:00:00.000Z

Photos Laurent Chardon, de la série "Décembre, 2005"

Extraits des e-mails échangés ces derniers jours avec Laurent Chardon :

« YV : Avec quel boîtier avez-vous pris les images de la série "Décembre" ?

LC : Les photos de la série "Décembre" ont été prises avec un ... Leica. Nous sommes loin de la Foto Povera. Je n'hésite pas à varier les pratiques en fonction du sujet et du propos. J'aime l'idée de faire des photos aussi bien avec un Holga qu'avec un Leica.

YV : Justement non, nous ne sommes pas si loin de Foto povera : on ma parfois reproché de vouloir faire une typologie dans la structure des expositions des appareils cheap. Ce n'est pas le cas pourtant ! Comme le dit si bien Serge Tisseron, et d'autres intervenants, dans la conférence que j'ai donné avec Jean-Marie Baldner au collège iconique en janv. 2006, on peut faire des images "précaires", "fragiles", alternatives", avec un Leica. Ce sont des termes utilisés aussi lors d'une table ronde au CPIF, dans le contexte de Foto Povera 3, par des auteurs comme Marc Donnadieu ou Bernard Plossu. C'est ce que fait Dolorès Marat par exemple. Et vous aussi...

A l'inverse, dans Foto Povera 1 et 3, Christophe Mauberret a présenté sa série Voigtland qui cite clairement une esthétique documentaire qui recourt à la chambre grand format, alors que lui utilise un vieil appareil à soufflet amateur qui appartenait à son grand-père ; l'optique désuète n'est pas de très bonne qualité.

LC : Je partage parfaitement ce que vous dites. Je disais cela avec un sourire et ne voulais pas être réducteur. On m'a souvent reproché l'utilisation d'un appareil cheap et à la mode. En photographiant, je suis loin de me poser ces questions. Toy-camera, Leica etc. participent à une même écriture, pourvu que j'arrive à donner du sens à mes séries... »

http://www.laurentchardon.net/

http://voigtland.blogspot.com/

Dégradation du signe & effondrement des dogmes ?

2007-11-13T14:35:00.000Z

Photo Yannick Vigouroux, " Through my Fish-Eye # 267

[Window # 448], Fort de St-Cyr, 13 novembre 2007"
(Sténopé numérique / Digital Pinhole)

Dégrader toujours plus le signe, à l'extrême, atomiser les informations numériques... Comme si les choses ne m'étaient plus accessibles désormais, appropriables que dans leur affaissement, leur friabilité et leur fragilité. Tout comme je rêve de l'effondrement des dogmes ? Utopique ? Je multiplie en tout cas, depuis le printemps 2007, les photos au sténopé numérique, de manière quasi obsessionelle...

Les spectres de chiens errants de Laurent Chardon et de Bruno Debon

2007-11-13T09:35:00.000Z

Photo Laurent Chardon, de la série " Tangente, 2002" (Holga) /
Photo Bruno Debon, "sans titre, 2005" (tél. mobile)

Le premier, Laurent Chardon, recourt au traditionnel film argentique 120 et à un appareil-jouet, un Holga, dont l'optique en plastique vignette fortement et brouille les chiens devenus fantomatiques ; le second, Bruno Debon, génère dans les pixels de son téléphone mobile un chien qui n'existe pas dans la réalité, et n'existe donc que photographiquement. Un spectre s'efface lorsqu'un autre apparait : des histoires de chien de rencontre, errants comme le regard flottant des deux photographes.

http://www.laurentchardon.net/

Ouverture de l'Opal Gallery, nov. 2007

2007-11-12T12:56:00.001Z

Photo Yannick Vigouroux, "Le Havre [Anne-Marie], août 2002",
de la série "Littoralités" (box 6x9)

L'opal Gallery d'Atlanta, qui accueillera Foto Povera 4 en 2008, vient d'ouvrir. Son site internet est :

http://www.theopalgallery.com/

Les Polaroïds SX-70 de Xavier Martel

2007-11-08T09:27:00.000Z

Photo Xavier Martel,
"Hortensia, 24 juin 2005, Kyôto" (Polaroïd SX-70)

André Kertész et Walker Evans furent les premiers, dans les années 1970, à faire un usage artistique des films Polaroïds destinés au marché amateur. On connait l'engouement qu'ils suscitèrent chez de nombreux plasticiens la décennie suivante...

Depuis le début des années 1990, Xavier Martel accumule les polas SX-70, fragments minuscules et sensibles de son quotidien, d'un journal intime en images. A l'époque nous étudions ensemble à l'Ecole Nationale de la Photographie d'Arles et je me souviens qu'ayant décidé de sécher un cours où nous devions présenter nos travaux, je lui avais confié mon appareil ainsi que deux châssis de polas 600. Ceux-ci étaient accompagnés d'une lettre lui demandant de « réaliser à ma place et avec toute ma sensibilité » des photos de sa salle de bains, tâche dont il s'est acquitté bien sûr avec brio. Je ne peux m'empêcher de sourire, aujourd'hui encore, à l'évocation de cette blague potache qui tentait de mettre à mal la sacro-sainte notion d' « auteur », de semer le doute dans l'esprit de nos camarades... (je remercie notre professeur Christian Gattinoni qui toléra nos provocations à répétition avec une patience bienveillante).

Depuis son séjour à la villa Kuyojama, au Japon, les images de Xavier sont plus sentimentales que jamais – sans jamais verser toutefois dans le sentimentalisme – et sous l'influence nippone, d'un formalisme qui séduit par sa retenue. Ces images pâles évoquent l'estompe du temps qui arrondit et lisse les souvenirs. Les couleurs passées, le contraste faible, la surexposition parfois, renforcent l'impression de précarité et de fragilité des instants, des lieux et des objets photographiés.

Quand on sait que la production du Polaroïd SX-70 a été récemment interrompue – ce qui fut je me souviens un sujet d'angoisse pour une autre adepte de ce film et complice du collectif Foto Povera, Corinne Mercadier – , un tel parti pris n'en est que plus émouvant : malgré les stocks de réserve constitués par certains dans leurs réfrigérateurs, de telles images ne seront plus réalisables dans un avenir proche.

Foto Povera : conférence et débat au collège iconique, 17/01/2006

2007-11-07T10:42:00.000Z

Serge Tisseron : "Ce soir, nous allons parler de ce qu’on appelle improprement les « pratiques pauvres ». C’est une expression ambiguë : ce n’est pas parce qu’on utilise un appareil bon marché qu’on a une pratique pauvre, ce n’est pas non plus parce qu’on utilise un appareil bon marché qu’on fait des photographies pauvres. Comme vous le verrez, les pratiques pauvres, ça peut être des boîtes à chaussures bricolées pour les sténopés, mais ça peut être aussi des machines très sophistiquées comme le sont aujourd’hui les téléphones mobiles. C’est Jean-Marie Baldner et Yannick Vigouroux qui vont nous en parler..."

La conférence que j'ai animée avec Jean-Marie s'ouvrait en ces termes au collège iconique ; il est possible de charger en pdf la totalité de celle-ci sur le site de l'INA :

http://www.ina.fr/

Un grand merci à Serge Tisseron.

Les tours de la Défense par Philippe Calandre (Sténopé & Polaroïd)

2007-11-07T09:30:00.000Z

Photos Philippe Calandre, "La défense, 2007" (sténopé et Polaroïd)

Nouveau venu dans le collectif Foto Povera, Philippe Calandre a découvert il y a quelques mois les plaisirs du sténopé. A l'aide de sa boîte rudimentaire, il a enregistré sur du film Polaroïd noir et blanc le quartier de la défense qui multiplie, dans un irrésistible élan urbanistique, les tours à l'américaine. L'absence d'optique distord légèrement les immeubles flottés qui ressemblent parfois à un morceau de nougat ou de guimauve mou ; ceux-ci sont parfois piqués, brisés par des impacts lumineux : ce sont littéralement des images-archétypes, quasi mentales – l'idée trouble et indécise, imparfaite, mais obstinée, persistante, de ce que devrait être un building, selon les canons de l'utopie moderniste.

D'autres séries de Philippe dans son site : http://www.philippecalandre.com/main.html et sur Flickr : http://www.flickr.com/photos/philippecalandre/

Le second voyage de Remi Guerrin à Hué

2007-11-06T12:39:00.001Z

Photo Remi Guerrin, "Hué, 2006" (Tirage charbon / carbon-print)

Remi vient de rentrer à Hué, où il avait déjà réalisé l'an dernier de nombreux sténopés restitués sous la forme de tirages charbon (carbon-prints)... que j'aimerais beaucoup, puisque Constance m'a demandé d'être curateur de Foto Povera (4), exposer bientôt aux Etats-Unis.

Dans cette image, le mouvement circulaire des poissons pêchés me fait beaucoup penser à une nature-morte d'Emmanuel Sougez ("Sardines I, 1932").

Foto Povera deuxième génération

2007-11-06T10:46:00.000Z

Photo yannick Vigouroux,
"Through my Fish-Eye # 193,
Paris, 5 novembre 2007"
(sténopé numérique /digital pinhole)

Après la présentation de Foto Povera 1 à Sallaumines, puis Foto Povera 2 au Havre en 2005, puis au CPIF de Pontault-Combault en 2006, le collectif que j'ai créé avec Remi Guerrin, devrait s'exprimer, à l'invitation de mon amie Constance Lewis, au sein de l'Opal Gallery (Atlanta) l'an prochain.

"Foto Povera 2" ou "deuxième génération" parce que, depuis l'été 2006, j'essaie de dynamiser, relancer ce collectif par le le biais de blogger et de Flickr. (Cf. notamment mon article dans http://www.lacritique.org : "Du Polaroïd à la photophonie : vers une réincarnation pixellisée ?")

Depuis quelques mois, je réalise essentiellement des photos au sténopé numérique (digital pinhole). Mon appareil mutilé, privé de son objectif remplacé par un capuchon en plastique percé d'un trou, me permets d'explorer de nouvelles voies formelles... Avec une prédilection pour le motif récurrent de la fenêtre.